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miércoles, 29 de junio de 2016

Diana Bellesi

Diana Bellessi (ZavallaSanta FeArgentina1946) es una poeta argentina. Es, junto a autores como Arturo CarreraIrene GrussJavier AdúrizJorge AulicinoDaniel FreidembergMaría Teresa Andruetto o María del Carmen Colombo, una de las más valoradas representantes de la poesía argentina posterior a la Dictadura militar (1976-

Biografía

Estudió la carrera de filosofía en la Universidad Nacional del Litoral. A finales de los años sesenta recorrió a pie toda América, a lo largo de más de seis años.

En 1972 publica en Ecuador su primer libro de poemas, Destino y propagaciones. En 1975 regresará a Buenos Aires, en donde sobrevivirá con pequeños trabajos para aprovechar el inglés aprendido a lo largo de su viaje por América del Norte y redactando pequeñas notas de prensa. En 1981 conseguirá publicar, ya en Argentina Crucero ecuatorial. Desde muy joven se identificó con las tesis feministas, aunque literariamente siempre ha negado la existencia de una poesía femenina específica. Formó parte de la redacción de la revista Revista Feminaria desde su fundación en el Consejo de dirección. Perteneció también a la redacción de Diario de Poesía hasta 1991 y fue una de las fundadoras de la cooperativa editorial Nusud.

Durante dos años trabajó en talleres de escritura en las cárceles de su ciudad de residencia (Buenos Aires). Ha traducido a poetas como Ursula K. Le Guin, Denise Levertov, Adrienne Rich y Olga Broumas.

En 1993 consiguió la beca Guggenheim en poesía, y en 1996 la Beca Trayectoria en las Artes de la Fundación Antorchas. Reside en la ciudad de Buenos Aires, trabajando en formación y supervisión literaria.

En 2004 obtuvo el Premio Konex - Diploma al Mérito en la disciplina Poesía: Quinquenio 1999 – 2003, otorgado por la Fundación Konex. Fue galardonada nuevamente con el mismo premio en 2014, esta vez por el Quinquenio 2009-2013.

A finales de marzo de 2008 participó en el Cuarto Festival Internacional de Esmirna (Turquía), dedicado a Latinoamérica, junto a los poetas Sergio Badilla Castillo (de Chile), María Baranda (de México), Rei Berroa(de República Dominicana) Rafael Courtoisie (de Uruguay), Pablo Armando Fernández (de Cuba), Margarita Laso (de Ecuador).



FUENTE: (https://es.wikipedia.org)

Le Corbusier, el primer arquitecto estrella

                                              Le Corbusier, el primer arquitecto estrella  

Le Corbusier



Charles Édouard Jeanneret-Gris, más conocido, a partir de la década de 1920,1 como Le Corbusier (La Chaux-de-Fonds, Cantón de Neuchâtel (Romandía), Suiza;6 de octubre de 1887 – Cap-Martin, Provenza-Alpes-Costa Azul, Francia; 27 de agosto de 1965), fue un arquitecto y teórico de la arquitectura, ingeniero, diseñador y pintor suizo nacionalizado francés. Es considerado uno de los más claros exponentes de la arquitectura moderna (junto con Frank Lloyd Wright, Oscar Niemeyer,Walter Gropius, Alvar Aalto, Richard Neutra y Ludwig Mies van der Rohe), y uno de los arquitectos más influyentes del siglo XX. Además de ser uno de los más grandes renovadores de la arquitectura moderna, fue un incansable agitador cultural, labor que ejerció con pasión a lo largo de toda su vida. Con sus escritos se ganó una merecida fama de polemista y aportó un verdadero caudal de ideas innovadoras que han hecho que su obra influya decisivamente en la arquitectura posterior.




Biografía

Nació en 1887, en la localidad de La Chaux-de-Fonds, en la Suiza francófona con el nombre de Charles Édouard Jeanneret-Gris. A los 29 años se trasladó a Parísdonde adoptó el seudónimo Le Corbusier, variación humorística (ya que evoca a la palabra cuervo) del apellido de su abuelo materno: Lecorbésier. Su padre se dedicaba a lacar cajas de relojes para la industria relojera de su ciudad natal, y su madre fue pianista y profesora de música.

En 1900 Le Corbusier comenzó su aprendizaje como grabador y cincelador en la Escuela de Arte de La Chaux-de-Fonds. Uno de sus profesores, Charles L'Eplattenier, le orientó hacia la pintura y después hacia la arquitectura. En 1905 diseñó su primer edificio, la Villa Fallet, una casa unifamiliar para un miembro de la Escuela de Arte. En los siguientes diez años hizo numerosos edificios, que todavía no llevaban su sello característico posterior, y que él mismo no incluyó en su Obra Completa.

Villa Jeanneret-Perret, también conocida como Maison Blanche, fue una de las primeras obras individuales del arquitecto (1912).

Ya en París, trabajó durante quince meses en el estudio de Auguste Perret, arquitecto pionero en la técnica de construcción en hormigón armado. A continuación se trasladó a Alemania para estudiar las tendencias arquitectónicas de ese país. Allí trabajó en la oficina de Peter Behrens, donde coincidió con Ludwig Mies van der Rohe y Walter Gropius, quienes también trabajaban ahí en esa época, aunque probablemente no a la vez.1 El año 1911 lo dedicó por completo a viajar. Desde Viena fue a Rumanía,Turquía, Grecia e Italia, y a su regreso fue profesor durante dos años en el departamento de arquitectura y decoración de la Escuela de Arte de París.

En 1918 editó la revista L'Esprit Nouveau junto al pintor Amadeo Ozenfant, publicación donde ambos sentaron las bases del Purismo. En esta revista, Jeanneret comenzó a firmar algunos de sus artículos con el pseudónimo de Le Corbusier.

En 1922, Le Corbusier comenzó a trabajar con su primo Pierre Jeanneret en su despacho de arquitectura en la rue de Sèvres en 1924, asociación que mantuvieron hasta 1940.2 Inicialmente los dos diseñaron casi exclusivamente edificios residenciales. Uno de sus grandes proyectos de estos años, en este caso como urbanista, fue su diseño conceptual de una ciudad de tres millones de habitantes, la Ville Contemporaine (Ciudad Contemporánea).3

En octubre de 1929 Le Corbusier dictó en Buenos Aires un ciclo de diez conferencias, invitado por la Asociación Amigos del Arte. En este viaje también visitó Río de Janeiro,Asunción y Montevideo. En referencia a la primera de las ciudades citadas, dejó bien clara su percepción de urbanista al expresar: «Buenos Aires es una ciudad que le da la espalda a su río», aludiendo con esto a algo de lo que aún adolece tal ciudad: pese a tener una extendida costa frente al gran estuario del Río de La Plata, se ha privilegiado ediliciamente un área que no permite la vista a tal estuario, es más, el acceso al mismo se halla obstaculizado por instalaciones de antiguos puertos, un aeropuerto, tramos ferroviarios a nivel y autopistas. Los temas de estas conferencias son publicados en 1930 en el libro "Precisiones".

Casa Curutchet, La Plata, Argentina.

La única obra de Le Corbusier en la Argentina es la Casa Curutchet, una vivienda unifamiliar construida en la ciudad de La Plata, capital de la Provincia de Buenos Aires, entre los años 1949 y 1953 bajo la dirección de obra de Amancio Williams. En Brasil construirá la embajada de Francia (Brasilia) y el Edificio Gustavo Capanema (Río de Janeiro), ambos con la colaboración de los arquitectos locales Lucio Costa y Oscar Niemeyer.

Le Corbusier fue un trabajador incansable. Realizó innumerables proyectos, de los cuales muchos nunca llegaron a realizarse, pero que marcaron a generaciones posteriores de arquitectos.

Difundió también sus ideas urbanas a través del CIAM (Congreso Internacional de Arquitectura Moderna), uno de cuyos documentos es la Carta de Atenas. Sin embargo, fue únicamente en Chandigarh, India, donde pudo hacerlas realidad.

El 27 de agosto de 1965, desobedeciendo las indicaciones de su médico, Le Corbusier fue a nadar mientras pasaba sus vacaciones en su cabaña en Roquebrune-Cap-Martin, en el Mediterráneo francés. Fue encontrado muerto por unos pescadores, presumiblemente de un ataque al corazón.
Contribuciones teóricas a la arquitectura[editar]

Le Corbusier fue, además de un gran arquitecto y pintor, un eminente teórico de la arquitectura. Escribió varios libros, en los que ejemplificaba sus ideas mediante proyectos propios (a la manera clásica como lo hizo en su momento, por ejemplo, Andrea Palladio en I Quattro Libri dell'Architettura)4 Tuvo muy claro que, aparte de saber crear buenos edificios era necesario saber explicarlos y transmitirlos al resto de los profesionales y a los estudiantes, y ejerció con gran maestría la tarea de publicitar su propia obra.

Como visionario, Le Corbusier veía la posibilidad de cambiar el mundo a través de la arquitectura. Si bien nunca se alió con un grupo político en particular, su postura estaba más cerca de una postura liberal (algunos lo han descrito como un socialista, adjetivo que probablemente se queda corto para caracterizar sus actividades), y como tal, veía todo proceso de diseño con fines utópicos. Lo que le permitió contribuir grandemente al significado de la arquitectura en general.
La machine à habiter[editar]

Edificio diseñado por Le Corbusier en Berlín que aplica el concepto «Unité d'Habitation».

Le Corbusier es conocido por su definición de la vivienda como la máquina para vivir también llamada la máquina para habitar traducido literalmente. Con ello, Le Corbusier ponía en énfasis no sólo el componente funcional de la vivienda, sino que esta funcionalidad debe estar destinada al vivir, comprendiéndose esto último desde un punto de vista metafísico. Le Corbusier creía que el objetivo de la arquitectura es generar belleza (muy conocida también es su frase: la Arquitectura es el juego sabio, correcto y magnífico de los volúmenes bajo la luz), y que ésta debía repercutir en la forma de vida de los ocupantes de los propios edificios.

En cuanto al criterio de «máquina de habitar», Le Corbusier estaba deslumbrado por las entonces nuevas máquinas: en especial los automóviles y aviones, considerando aquellos que tenían diseños prácticos y funcionales como modelo para una arquitectura cuya belleza se basara en la practicidad y funcionalidad; el racionalismo. El primer ensayo de construcción seriada lo formula en el proyecto de las casas Citrohän. "Las casas Citrohän representan el primer ensayo importante de Le Corbusier sobre una vivienda en serie que puede construirse a partir de elementos estandarizados. Convencido que el avance de la industrialización puede ser el vehículo para satisfacer gran parte de las necesidades del hombre intenta, con un criterio práctico y racional, dirigir la arquitectura por ese rumbo
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Artículo principal: L'Esprit Nouveau

A fin de divulgar sus ideas sobre la arquitectura y la pintura, Le Corbusier fundó en 1920, junto con Amédée Ozenfant y Paul Dermée, una revista de divulgación artística que obtuvo gran resonancia internacional:L'Esprit Nouveau (El Espíritu Nuevo; aunque en francés la palabra esprit suele tener también el significado de conciencia, razón, inteligencia) cuyo primer número data del 15 de octubre de 1920 y el último en 1925. En 1923 Le Corbusier publica una recopilación de artículos de la revista en su libro "Vers Une Architecture".
Los cinco puntos de una nueva arquitectura[editar]

La casa de Le Corbusier construida para la exposición Weissenhofsiedlungen Stuttgart es un perfecto ejemplo de sus «Cinco puntos de una nueva arquitectura».

En 1926 Le Corbusier presenta un documento donde expone en forma sistemática sus ideas arquitectónicas: los llamados «cinco puntos de una nueva arquitectura»representan una importante innovación conceptual para la época, aprovechando las nuevas tecnologías constructivas, derivadas especialmente del uso del hormigón armado(hasta entonces este material se usaba en viviendas y monumentos disfrazándosele de piedra esculpida con molduras):
La planta baja sobre pilotes: para Le Corbusier, la planta baja de la vivienda, al igual que la calle, pertenecía al automóvil, ya sea para circulación o aparcamiento, por este motivo la vivienda se elevaba sobre pilotes para permitir el movimiento de los vehículos.
La planta libre: a partir de la estructura independiente, aprovechando la tecnología del hormigón armado genera una estructura de pilares en la que apoyan losas, de esta forma el arquitecto decide dónde poner los cerramientos, siendo independientes de un nivel al otro.
La fachada libre: el corolario del plano libre en el plano vertical. La estructura se retrasa respecto de la fachada, liberando a ésta de su función estructural y permitiendo libertad en su composición independientemente de la estructura.
La ventana alargada: por el mismo motivo del punto anterior, también los muros exteriores se liberan, y las ventanas pueden abarcar todo el ancho de la construcción, mejorando la relación con el exterior y permitiendo un mejor asoleamiento de los espacios interiores.
La terraza-jardín: para Le Corbusier la superficie ocupada a la naturaleza por la vivienda debía de ser devuelta en forma de jardín en la cubierta del edificio, convirtiendo el espacio sobre la vivienda en un ámbito aprovechable para el esparcimiento, que además permitía mantener condiciones de aislamiento térmico sobre las nuevas losas de hormigón.

Y hay un elemento más que Le Corbusier pondera en la obra arquitectónica nueva, '"La promenade arquitectónica"': el edificio debe invitar a ser recorrido y a partir de eso se lo podrá comprender en su totalidad.

Su arquitectura resulta ser altamente racionalista, depurada (con el uso de materiales sin disimularlos; nota la posible belleza de las líneas depuradas, sin adornos, sin elementos superfluos) y con un excelente aprovechamiento de la luz y las perspectivas de conjunto, dando una sensación de libertad (al menos para el desplazamiento de la mirada) y facilidad de movimientos.
El Modulor[editar]
Artículo principal: Modulor

Ideó el Modulor, sistema de medidas basado en las proporciones humanas, en que cada magnitud se relaciona con la anterior por el Número Áureo, para que sirviese de medida de las partes de arquitectura. De esta forma retomaba el ideal antiguo de establecer una relación directa entre las proporciones de los edificios y las del hombre.

Tomó como escala del hombre francés medio de esa época: 1,75 m de estatura; y más adelante añadió la del policía británico de 6 pies (1,8288 m), lo que dio el Modulor II. Los resultados de estas investigaciones fueron publicados en un libro con el mismo nombre del Modulor.

Le Corbusier fue uno de los miembros fundadores del Congreso Internacional de Arquitectura Moderna. En 1930 adoptó la nacionalidad francesa. Unos años después realizó su primer viaje a los Estados Unidos.

Le Corbusier se hizo famoso como uno de los líderes del llamado Estilo Internacional, junto a Ludwig Mies van der Rohe, Walter Gropius y otros. Fue un arquitecto muy admirado en su época e influyó a varias generaciones de arquitectos.

Su afán creador queda expresado en Le Poème de l'Angle Droit (El poema del ángulo derecho —ángulo recto—); especialmente en Fusión:

Moneda conmemorativa donde aparece el Modulor de Le Corbusier


Asentado en demasiadas causas mediatas
asentado junto a nuestras vidas
y los otros están allí
y por todas partes están los: «¡No!»

Y siempre más contra
que por
No condenar pues a aquél
que quiere asumir su parte en los
riesgos de la vida. Dejad
que se fusionen los metales
tolerad las alquimias que
por lo demás os dejan libres
de castigo
Es por la puerta de las
pupilas abiertas por donde las miradas
cruzadas han podido conducir al
acto fulminante de comunión:
«El ensanchamiento de los grandes
silencios»...
La mar vuelve a descender
a lo más bajo de la marea para
poder subir de nuevo a tiempo.
Un tiempo nuevo se ha abierto
una etapa un plazo un relevo
Así no nos quedaremos
sentados junto a nuestras vidas.
Influencia en la arquitectura moderna

LAS VANGUARDIAS ARTÍSTICAS HISTÓRICAS

1.- INTRODUCCIÓN Entre las últimas décadas del siglo XIX y las primeras del siglo XX, en casi todos los países con un cierto grado de desarrollo industrial se puso de manifiesto un sentido del presente y un ansia de romper con los estilos del pasado. Fue un momento agitado y complejo, en el que la búsqueda de lo nuevo convivía con la permanencia del pasado: rechazo de la máquina y aceptación de nuevas tecnologías ( que exploraban o anticipaban el futuro), agitación social y anarquismo a la par que consolidación de los valores de la cultura burguesa, además la crisis arte-sociedad se evidencia siendo la característica que conlleva la vanguardia. Se conoce como vanguardias históricas a los estilos artísticos que aparecieron en la primera mitad del siglo XX. Su propuesta rupturistas fue tan radical que más de un siglo después siguen siendo el paradigma del arte de vanguardia, dado que en la época se produce en el arte una auténtica revolución de las artes plástica. Escultura y pintura, participan de los mismos supuestos. Los movimientos vanguardistas son más una actitud ante el arte que una estética, que abandonará la imitación de la naturaleza para centrase en el lenguaje de las formas y los colores. Es la hegemonía del inconsciente, de la reconstrucción mental de la obra. Al espectador se le exige una nueva actitud ante la obra de arte. Los estilos dejan de ser internacionales para ser característicos de un grupo de artistas. 2.- CONCEPTO DE VANGUARDIA El término vanguardia ha sido uno de los más utilizados para el desarrollo del arte en el siglo XX, sea para definir posturas ante el arte y su papel en la sociedad, sea para ordenar el estudio de la historia del mismo siglo. Convirtiéndose así en un fenómeno nuevo respecto a otros periodos de la historia, importante para comprender el arte de nuestra época, y solo en ésta aparecen expresiones como: Arquitectura de vanguardia, música de vanguardia, cine de vanguardia, etc. El término es de origen medieval y se usaba en el lenguaje militar. Ya en el siglo XIX empezó a ser utilizado en sentido figurado con relación al arte y, en el XX constituye un termino clave para el mundo del arte. Tomando literalmente el término implica la idea de lucha, de combate, de pequeños grupos destacados del cuerpo mayoritario que avanza, que se sitúan por delante. Efectivamente, la vanguardia artística se manifestó, como acción de grupo reducido, como élite que se enfrentaba a situaciones más o menos establecidas y aceptadas por la mayoría. Estas tendencias se enfrentaron al orden establecido, a los criterios asumidos por las clases altas económicas e intelectuales hablando con ánimo de ruptura. Fueron en ocasiones y con sus particularidades, movimientos agresivos y provocadores. La incomprensión inicial y la posterior aceptación justifican su papel anticipador del futuro. Desde un principio estos serían los aspectos más definitorios del concepto de vanguardia, pero la idea de vanguardia comporta una mayor complejidad. Para precisarla un poco más hay que examinar de qué modo ha evolucionado el uso del término en el terreno cultural. Vanguardia con relación al arte aparece por primera vez en el primer cuarto del siglo XIX, en textos de los socialistas utópicos. No se trataba de un grupo o de una tendencia artística en particular, sino que el arte se presentaba en general, como avanzadilla de los sectores fundamentales que tratan de transformar la sociedad: la ciencia y la industria. Esto introduce otro concepto de vanguardia: Vinculación con actitudes progresistas ( implicaba ansia transformadora de la sociedad ). A fines del XIX, el término vanguardia se utilizó en el vocabulario político y antes de la primera guerra mundial pasó a ser frecuente, en la crítica artística concretamente se aplicó al Cubismo y Futurismo. También hay en el concepto de vanguardia concomitancia con el vocabulario político, como el activismo, voluntad de ruptura, idea de revolución artística y, sobretodo la aparición de un documento literario como pieza clave en muchos movimientos de vanguardia “ El Manifiesto”. Con la aparición del “Manifiesto Comunista de 1848 “, surgieron también manifiestos artísticos, que a modo de declaración pública recogía los propósitos de actuación, en ocasionas con términos y lenguaje contundente, al igual que los documentos políticos. En este sentido el “Futurismo” será el más paradigmático, redactando manifiestos dedicados a la literatura, pintura, escultura, arquitectura, música, cine. El Manifiesto de los pintores futuristas – Milán, 11- 2- 1910 -, da una buena plasmación del carácter más típico vanguardista en general, pero también claramente explícitos la euforia, el desafío la provocación y, frente a los valores establecidos , la originalidad y la innovación, así como una significativa fe en el progreso, fe en el avance y transformación de la Humanidad hacia una situación, supuestamente, mejor, está en la base del concepto de vanguardia, con su dinámica sucesión de “ ISMOS”. 3.– DESARROLLO – CAUSAS Para entender las razones por las que las vanguardias artísticas se desarrollaron, es necesario echar la vista atrás, al siglo XIX. Tres acontecimientos políticos, la constitución de la segunda y la tercera República Francesa (1848 y 1871) y la Primera Guerra Mundial (1914), provocaron una reacción intelectual en contra de la sociedad de la época. Empieza así el estereotipo de artista incomprendido, bohemio y comprometido con una serie de valores contrarios a todo ese mundo convulso que provocaba situaciones miserables y desafortunadas A estos tres acontecimientos políticos, se debe añadir uno artístico de obligado nombramiento, el comienzo de los llamados Salones de París, unas muestras artísticas anuales de elevado prestigio que contaba con un jurado tradicional y conservador, y de donde fueron rechazados la mayoría de pintores impresionistas. Estos inauguraron, por iniciativa propia, los llamados Salón de los Rechazados con la intención de que su trabajo, aunque no fuera aceptado en la muestra principal, pudiera ser apreciado y valorado por el público. Quizá fue este el primer gran desencuentro entre el mundo artístico y el intelectual de la época, que no había hecho más que empezar. A este precedente se debe añadir el panorama de principios del siglo siguiente, lleno de cambios y aportaciones significativas que modificaron ciertas ideas y modos de vida: la Segunda Revolución Industrial, con la aparición del motor de explosión, la publicación de la Teoría de la Relatividad de Albert Einstein y la Interpretación de los sueños de Sigmund Freud, la popularización de la fotografía, el nacimiento del Cine… anunciaban a voces que algo en el mundo estaba cambiando. 4. VANGUARDIAS 4-1. Impresionismo (1874), Neoimpresionismo (1884) y Postimpresionismo (1910). Aunque algunos historiadores dejan fuera de la clasificación de vanguardias al Impresionismo, fue el primer movimiento que se rebeló contra los gustos que imperaban en la época. En su caso, el Impresionismo no buscaba el rechazo del público, sino que se olvidaba de la acogida que pudiera tener su trabajo, en favor de una nueva manera de captar la realidad que tarde o temprano se acabaría reconociendo, como así fue. El precursor de este movimiento fue Eduard Manet. En su trabajo se puede apreciar el paso de la pintura tradicional al modo de hacer impresionista. Con el paso del tiempo Manet recurre a pincelada directa, con mucha carga, aunque nunca con tanta decisión como lo harían los siguientes autores impresionistas, todos ellos estudiosos, admiradores e influenciados por Manet. El grupo lo componía Degas, Renoir, Monet, Pizarro, Sisley y Cezanne. Impresión, Sol naciente (Monet) Tras unos comienzos dubitativos y llenos de pruebas, el Impresionismo como tal nace en una exposición celebrada en los salones del fotógrafo Nadar. Era una muestra en la que participaban un total de treinta y nueve pintores, conscientes ya de formar un grupo y de tener unos objetivos iguales que defender. En esta exposición se encontraba una obra de Monet llamada Impresión, Sol naciente que, burlonamente citada por un crítico dio nombre al grupo. Pone toda su atención en captar la realidad, el instante, la impresión. Es una pintura de aire libre, que se resuelve ante el motivo en cuestión. Dado que las condiciones lumínicas de los paisajes cambian a cada segundo, requiere una pincelada rápida y directa, que permita resolver una obra en pocos minutos. Es lo más parecido a la fotografía instantánea hecha pintura. Interesa esa luz del amanecer, el reflejo de la luz en un edificio en la caída del sol, la luz reflejada sobre el río a medio día. Esa es la razón por la que las obras impresionistas dieron la sensación, a final del siglo XIX, de ser obras inacabadas, imperfectas, y por tanto, fueron despreciadas Acabada la época del desarrollo del Impresionismo, y gracias a las nuevas tecnologías de impresión (especialmente influyente fue la fotografía y el descubrimiento de la cuatricromía, que conseguía infinidad de colores con la mezcla de los colores primarios), surge el Neoimpresionismo o puntillismo, llevado a cabo fundamentalmente por dos autores, Georges Seurat y Paul Signac. Aprenden la lección impresionista y la aplican de un modo más científico, más controlado, mucho menos espontáneo y fresco. La pincelada se hace corta, racional y estudiada. Fuera de estos dos movimientos quedan tres autores, de obligada mención, como son Vincent Van Gogh, Paul Gaugain y Henri de Toulouse-Lautrec. Se les dio el término histórico-artístico de Postimpresionistas en una exposición celebrada en Londres en 1910, pues, aunque su trabajo no es en absoluto semejante, les une el hecho de haber comenzado su trabajo con el Impresionismo ya afianzado y comienzan su andadura pictórica con un nuevo modo de hacer, en los tres casos de manera muy personal e innovadora y de con una visión más subjetiva y manipulada del mundo. Van Gogh transforma la pincelada impresionista en una con más carga y muy ordenada, dando nuevas soluciones formales y cromáticas. Gaugain fue un artista que reivindicó lo bidimensional y lo decorativo. Su época en Taití, donde vivió los últimos años de su vida, es la más famosa. Ese destino brindó a Gaugain los paisajes y los colores que buscaba. Toulouse-Lautrec fue un gran ilustrador y se le considera el precursor del cartel publicitario. El espíritu de los muertos vela (Paul Gauguin 4- 2. Fauvismo 1905 / 1907 El Fauvismo cuestiona el Arte como representación de la realidad, abogando por un arte subjetivo que expresa sentimientos por medio del color. Término acuñado por el crítico de arte Louis Vauxcelles tras contemplar una exposición (fauve es el término francés para fiera), lo denomina así por su violencia cromática, por sus agresivos contrastes, tintas planas, simplicidad en el dibujo y su ausencia de claroscuro. Los historiadores lo consideran una reacción al Impresionismo. Si éste trataba de enfrentarse a la realidad por medio de la visión, el Fauvismo intenta pintar con la mente. Sus autores principales son Matisse, Derain, Dufy y Braque. La ventana abierta (Matisse) 4- 3. Cubismo 1907 / 1914. Cubismo es el nombre que se le dio al movimiento desarrollado principalmente por el español Pablo Picasso y Braque. Curiosamente fue también L. Vauxcelles el encargado de denominar al movimiento. Se caracteriza por destruir la óptica renacentista como único punto de vista. Es capaz de representar varios puntos de vista a la vez en una misma imagen, superando así a su rival representativo, la fotografía. Afirma la bidimensionalidad aunque sugiere cierta profundidad con un particular claroscuro. Niega la luz impresionista y los modula en tonos neutros y pardos, mediante el uso de la faceta (pequeños planos de color superpuestos) y la introducción en el Arte con mayúsculas de técnicas como el collage. Es un movimiento que no trata de captar la realidad presente ante el artista, sino que crea, a partir de la realidad, una imagen propia,nueva. Se basa en la anterior pero que no intenta parecerse a ella, sino aportar más información, incluso, que la propia realidad. Otros componentes de este movimiento fueron Juan Gris, Francis Picabia, Franz Leger y Albert Gleizes. Las señoritas de Avignon (Picasso) El Portugués (George Braque) 4 –4. Expresionismo 1905/1913. Estilo surgido en Alemania que trata de dar al espectador una visión de los sentimientos del artista. Forma, color y textura están al servicio de esa transmisión de los estados de ánimo del autor. Supone el inicio de la pintura abstracta en sentido estricto ya que se desvincula por fin del referente. Es una pintura subjetiva que deforma y exagera. Sus grandes influencias fueron autores consagrados como Goya, el Greco, y otros más recientes como el belga James Ensor y el noruego Edvard Munch. Los dos grandes grupos de artistas del movimiento fueron los llamados “Die Brücke” (el puente) en Dresde formado principalmente por Ernst Kirchner y Emil Nolde y “Der blazer Reiter” (el jinete azul) compuesto por Vasily Kandinsky, Franz Marc, Paul Klee en Munich, ambos con objetivos y rasgos comunes aunque con alguna diferencia estilística que les dividía. El Jinete azul (Vasily Kandinsky) 4 -5. Futurismo 1909/1914. El primer manifiesto futurista se publica el 20 de febrero 1909, en el periódico parisino “Le Figaro”, escrito por Filippo Marinetti, escritor italiano, que casi con un rigor dogmático no dudaba en afirmar que “un automóvil rugiente, es más bello que la Victoria de Samotracias”. Con ello se exaltaba la modernidad, lo tecnológico, lo mecánico y rompe una lanza a favor de sus cualidades estéticas de estos objetos industriales infravalorados según esta vanguardia. Aunque el movimiento acaba pronto, en 1914 y 16 , tras la I Guerra Mundial algunos de sus componentes radicalizan sus posiciones y se relacionan ideológicamente con el fascismo italiano en las elecciones de 1919. Sus mayores exponentes fueron Humberto Boccioni, Gino Severino y Giacomo Balla. Con el tiempo se produjo un redescubrimiento (cosa frecuente en la historia del arte), pues además de profundizar en las cuestiones ideológicas y políticas, ponía de relieve aquellos aspectos que hacían del futurismo un movimiento de vanguardia de extraordinaria resonancia en su momento, influyendo en movimientos como El Dadaísmo, el Constructivismo ruso, el Surrealismo y que, a largo plazo lo sitúan como punto de referencia, el arte de los años sesenta. Muchacha corriendo en una galería (Giocomo Balla) 4 -6. Dadaísmo 1915/1922. El más radical y agresivo de los -istmos de principios de siglo nació en Zürich (Suiza) obra de Tristan Tzara. Fue una vanguardia anarquista que se mostró rotundamente en contra de cualquier norma social, moral o estética. Contundente, destructor y provocador, basado en lo absurdo, lo elemental, lo casual y lo azaroso (la misma palabra dadá que designó el movimiento se escogió de modo arbitrario en un diccionario). Su objetivo principal era cuestionar unos criterios artísticos fuertemente afianzados y aceptados en la época. El ejemplo máximo de Dadá fue el artista francés Marcel Duchamp que, a través de los denominados ready-mades (objetos industriales sin valor, elevados a la categoría de obra de arte por el simple hecho de exponerlos en un museo bajo una firma y una fecha) trató de ridiculizar la veneración pasiva y poco crítica del público burgués. Gracias al movimiento dadaísta, el Arte abrió sus fronteras y aceptó otros modos de expresión artística, lo que fue su mayor aportación. Era el nacimiento de lo que hoy denominamos arte conceptual. Además de Duchamp, los componentes de este grupo fueron Hans Arp, Francis Picabia, M. Ernst y el fotógrafo Man Ray. Fuente (Marcel Duchamp) 4 -7. Surrealismo 1924/1939. Comienza con un manifiesto escrito esta vez por el poeta André Breton. El término lo acuña el escritor G. Apollinaire. Se desarrolla, como se puede deducir por las fechas, en un periodo inestable de entreguerras en el que los intelectuales tratan de comprender la profundidad psíquica del hombre, los sueños, lo inconsciente. Los escritos y teorías del psicoanálisis de Sigmun Freud aportó base científica e ideológica, y las obras de Füsli y Blake la influencia artística. Podemos hablar de dos tipos de Surrealismo pictórico y dos grandes grupos de pintores surrealistas. Por un lado, los pertenecientes al Surrealismo figurativo, entre los que se encontraban Max Ernst, René Magritte, Dalí y Chagall, quienes exploraron el surrealismo desde una óptica de realismo formal, pues, a pesar de sus deformidades y transformaciones, nunca abandonaron la referencia real de los objetos. Por otro lado, el Surrealismo abstracto contaba con Yves Tanguy, Miró, Klee y Hans Arp. Parte fundamental esta tendencia fue la escultura. Giacometti, Henry Moore, Alex Calder, M. Ernst y Man Ray. Antes del nacimiento (Hans Arp) 4 -8.Suprematismo 1915/1919. Vanguardia de origen ruso que comienza con el manifiesto de Casimir Malevitch. Busca la sensibilidad pura del arte a través de un lenguaje plástico nuevo, sin referencias figurativas ni influencias artísticas previas. Evita cualquier referencia de imitación a la naturaleza recurriendo a módulos geométricos de formas puras y perfectas de color austero, en especial el uso del blanco y el negro con algún color poco saturado. Al ser obras de pocos elementos, y además geométricos, tendrá mucha importancia la composición y distribución de éstos en las obras. Construcción suprematistica (Kazimir Malevit) 4 -9. Constructivismo 1913/1920. Esta nueva vanguardia comparte origen y fechas con la anterior, por lo que su desarrollo es paralelo y ambas se vigilarán de reojo en su evolución. El constructivismo, con alta carga política e ideológica propia de la revolución rusa, pretende la unión entre las artes, pintura, escultura y arquitectura, por lo que comparte objetivo con una del las escuelas más famosas de la Historia del Arte, la Bauhaus. Este hecho no es casual, pues varios constructivistas fueron profesores o impartieron seminarios en algún momento en dicha escuela alemana. Sus autores principales fueron Vladimir Tatlin, El Lissitzky, Antón Pevsner y Naum Gabo. Prueba de lo completo de este movimiento es su manifestación cinéfila obra de Eisenstein, quien tiene en la cinta de “El acorazado Potemkin” un gran ejemplo. Monumento a la III Internacional (Vladimir Tatlin) 4 -10. Neoplasticismo. De origen holandés, el grupo que lo desarrolló recibió el nombre de “De Stijl” (el estilo) debido al nombre de la revista en la que trabajaban sus componentes y en la que publicaban sus escritos. Fue una prolongación de los valores estéticos el constructivismo, aunque sin su ideología y compromiso político. Demostraron su intento por aunar disciplinas en proyectos completos. Diseñaban el edificio y el interiorismo (muebles, colores de las paredes, colocación de los mismos…) en un mismo proyecto porque entendían que no eran conceptos distintos. Con ánimo de huir de las referencias naturales recurrieron a las formas geométricas puras y a los colores saturados, especialmente los primarios y el negro para dar contraste. Sus principales componentes fueron Theo van Doesburg, y Piet Mondrian. Cuadro nª 2 – composición (Piet Mondrian) SEGUNDA VANGUARDIA 1945-1970 Las llamadas segundas vanguardias comienzan tras la Segunda Guerra Mundial. Debido a las consecuencias de tan destructor y lamentable acontecimiento, Europa entra en una crisis cultural y política que favorece la emergencia de un nuevo panorama artístico y permite que la capital mundial del arte pase de París a Nueva York. Estas segundas tendencias se sucedieron muy rápidamente gracias a los nuevos medios de comunicación de masas, cada vez más efectivos por el alto desarrollo tecnológico, pero a la vez de un modo más natural, menos traumático. La experiencia de las primeras vanguardias dio cierta tranquilidad y sosiego al espectador, que pudo asimilar mucho mejor esta segunda oleada. Esta vez, las vanguardias no eran fruto de artistas incomprendidos que quieren escandalizar al público, sino que se convierten en nuevas y atractivas tendencias. Adquieren un tinte más atractivo, moderno y exclusivo que favorecerá el mercado y la aproximación del público en general. A. TENDENCIAS INFORMALISTAS A.1 Informalismo. Tendencia pictórica, también denominada a veces, Tachismo o Abstracción Lírica, a pesar de su desarrollo independiente, compartió con el Expresionismo Abstracto el peso del surrealismo, del automatismo, de la improvisación psíquica como revelación del mundo subjetivo del artista. Se caracteriza por el uso de grandes empastes de pintura, en muchas ocasiones con aditivos (arena, polvo de mármol, yeso…). Su pincelada es impulsiva y da la máxima importancia al gesto. El artista más representativo del estilo fue Jean Dubuffet. Le Cosmorama IV (Jean Dubuffet) A.2 Expresionismo abstracto americano. Tendencia que muestra grandes e importantes influencias como son el surrealismo, el expresionismo y la abstracción. La referencia con la naturaleza y la figuración en este movimiento está más que superado. Un importantísimo elenco de artistas compone el grupo que pertenece a esta tendencia. Un grupo, además, que se conocía personalmente, compartieron estudio y sala de exposiciones y reflexiones acerca del movimiento. Cada uno consiguió un estilo personal que les distinguía, pues, aunque pertenecían a la misma tendencia, cada uno optó por un camino distinto. Todos obtuvieron fama y reconocimiento. El primero, el americano Jackson Pollock, creador de un nuevo modo de pintura: el Dripping. El artista sitúa el lienzo en el suelo y, moviéndose alrededor del mismo (y en ocasiones por dentro del mismo lienzo) deja caer finos hilos de pintura que se desprenden del pincel recién cargado en el bote. El resultado es una trama compleja de hilos que forman una trama muy atractiva visualmente. El artista se interesa por el azar, por lo que no es controlable. Otro artista reconocido fue Willem de Kooning. La pintura de de Kooning puede compartir planteamientos con Pollock aunque es mucho más directo. Busca el gesto, la pincelada, la mezcla de los colores en el mismo lienzo. Utiliza colores puros y muy saturados, combinados con algunos tierras y sombras. El tercero de la lista de expresionistas abstractos fue Philip Guston. Único representante de este grupo que mantuvo cierta figuración en sus lienzos. Consiguió un lenguaje propio, casi jeroglífico, de modo que los mismos elementos se repetían una y otra vez para contar un mensaje. Fue un artista obsesionado con el miedo, el miedo al tiempo, que se agota, a las agresiones en general, a la pobreza. Acostumbraba a pintar por la noche, ya que, según el propio artista, esos miedos que movían su pintura eran mucho más intensos. Su paleta era bastante monocroma en general, ya que sus obras más representativas se mueven en rosas y algún tono de contraste. Por último nombrar a Mark Rothko. Creador del llamado “Color Field Painting” fue un artista de dedicación plena y obsesiva a su obra. Alcanzó una técnica exquisita a la hora de fundir tonos y obtener colores expresivos. Pintor de grandes formatos, reivindica la identidad de la abstracción y la expresividad de grandes superficies de color. Bosque encantado (Jackson Pollock) Woman I (De Kooning) A.3 Arte Póvera. Vanguardia de procedencia italiana, su máximo representante fue Miguel Ángelo Pistoletto. Le interesa la reutilización de material tecnológicamente poco avanzado, tradicional, no industrial. Tiene como influencia directa el dadaísmo, especialmente el trabajo de Duchamp. De alto componente conceptual, vuelve a cuestionar determinados criterios artísticos de aparente aceptación general. Entre los artista que cultivan el arte Póvera destacan Antonio Tápies y Govanni Anselmo. La Venus de los trapos (Miguel Angel Pistoletto B. TENDENCIAS RACIONALISTAS B.1 Nueva Abstracción Americana. Su principal componente fue el estadounidense Frank Stella. Es una vanguardia de grandes formatos que afirma la obra como estructura y materia. Destaca así, la composición más que los elementos anecdóticos presentes. Utiliza una paleta muy saturada son obras de clara bidimensionalidad y formas simples, con el objetivo de que éstas no tomen gran protagonismo y el conjunto sea, al fin y al cabo, lo principal. Variación Sinjerli (Frank Stella) B.2 Minimal Art. El arte minimal comenzó siendo una vanguardia más, aunque su proyección e influencia ha sido enorme en el arte y el diseño de final del siglo XX y principios de XXI. Inspirada en el arte oriental, tiene como lema “menos es más”, de modo que, si una imagen, un interior, un objeto industrial, etc., se puede resolver con un mínimo de elementos no se le añadirá ni uno más. De este modo, produce imágenes limpias, aparentemente vacías y simples, aunque con gran carga estética más que funcional. Uno de sus representantes fue Sol le Witt. "123454321+" (Sol Lewi B.3 Arte Cinético Tiene como principio básico el movimiento, de manera que ha estado más presente en escultura que en pintura. Las obras de arte cinético se pueden encuadrar en tres subcategorías: obras con movimiento propio, ya que se mueven por medio de un mecanismo (motores, ingenios eléctricos) o por acción de algún elemento independiente (música, viento, temperatura), obras de ilusión óptica en las que se encuadra la pintura cinética, y obras interactivas en las que el espectador debe accionar o ejecutar alguna acción. Como representantes de cada uno de estos grupos podemos nombrar a Alexander Calder, con sus móviles, estructuras colgantes muy ligeras que se mueven con el viento, al español Eusebio Sempere, con sus serigrafías de líneas muy finas y geométricas que al entrecruzarse producen la sensación óptica de movimiento, y a Marcel Duchamp respectivamente. Móvil (Eusebio Sempere) Rueda de bicicleta (Duchamp C. NEO REPRESENTATIVAS C.1 Pop Art. Primera vanguardia neo representativa de origen norteamericano inspirada en artes consideradas menores como son el cómic, la ilustración y el cartel. Trataban de impulsar esa estética de aspecto infantil y lenguaje bidimensional, mostrando en muy ocas ocasiones la pincelada. Utiliza la tinta plana y los colores muy saturados por lo que muchos de los artistas pop recurren al grabado que favorece ese efecto, en especial a la litografía y a la serigrafía. Sus principales componentes son Roy Linchestein, Andy Warhol, Jasper Jons y David Hockney. Primera Liz coloreada (Andy Warhol) C.2 Hiperrealismo. Se entiende como una prolongación o evolución natural del Pop Art. En particular, los retratos e imágenes Pop, poseen el atractivo de ser similares a la realidad debido a su origen (muchas de estas imágenes, como los retratos de Andy Warhol se obtuvieron directamente de fotografías) aunque con un lenguaje propio, la mayoría de las ocasiones reducciones de color, dos o tres tonos saturados con el retrato en negro. El grado de iconicidad de una obra, es decir, su parecido con la realidad comenzó a valorarse y eso produjo el nacimiento del Hiperrealismo, un movimiento cuyo objetivo era conseguir el mayor parecido posible con la realidad, hasta límites nunca alcanzados anteriormente. Es, por tanto, una vanguardia de alto poder técnico y de una meticulosidad exagerada en su ejecución. La fotografía fue su principal competencia, aunque siempre trató de distanciarse produciendo imágenes que no pudiesen ser fotografiadas, escenarios imposibles, ángulos forzados, etc. con lo que consiguió su propio terreno en el Arte. D. TENDENCIAS CONCEPTUALES D.1 Arte Conceptual. Aunque se puede considerar que el Arte Conceptual nació con el dadaísmo, no fue hasta algo más tarde que se desarrollara como una vanguardia independiente. Sin embargo, comparte muchas de las premisas dadaístas, sin cuya existencia el Arte Conceptual no tendría razón de ser. Es una vanguardia de denuncia hacia una sociedad poco concienciada y crítica con lo que ve en salas y museos, y trata de incitar a la reflexión y a cuestionar aspectos muy afianzados relativos al mundo artístico y a su mercado. una y tres sillas (kosuth) D.2 Happenings. Expresión del Arte conceptual que se puede considerar independiente. Consiste en realizar una acción, un evento, una actividad que, en sí misma, como acto, se considera una obra de Arte. Suele tener un guión, parecido a una obra de teatro aunque se da mucho la improvisación del artista. Se puede dar en diferentes contextos, involucrando en muchas ocasiones al público. Allan Kaprow fue el primero en utilizar el término happening en 1957 en una convención artística para describir algunas de las piezas a las que habían asistido. Autor: Allan Kaprow D.3 Body Art. El Body Art comparte ideas del Arte Conceptual y del Happening, aunque se centra en especial en el cuerpo humano. Reflexiona acerca de él y lleva a cabo sus manifestaciones mediante el propio cuerpo. Sus temas son eminentemente sociales, sexuales o de contraposición del cuerpo masculino y femenino. Uno de sus baluartes es Bruce Nauman. Sex and Death .Tubos de neón montados sobre aluminio (Bruce Nauman) D.4 Land Art. Corriente artística surgida a finales de los años sesenta en Estados Unidos que tiene como fin trasladar el trabajo artístico a los espacios naturales, los cuales son transformados por el pensamiento y acción del artista. Generalmente las piezas adquieren enormes dimensiones y su presentación en las galerías suele llevarse a cabo con una extensa documentación de fotografías, videos y textos. Una pareja artística que se encuadra en esta vanguardia son Christo y Jeanne-Claude. La cortina colgando en el Rifle Gap, Colorado. (Christo y Jeanne-Claude) 5. CONCLUSIÓN Las vanguardias artísticas de principios del siglo XX lograron abrir las fronteras del arte, en un momento de miras estrechas y de un arte rancio e inmovilista. Eso favoreció la expresividad de los artistas, lo multidisciplinar. Nada suponía un límite para una obra de arte si el artista así lo sentía, siendo una época de experimentación y de nuevas técnicas artísticas. Los críticos e historiadores de Arte piensan que es hoy una época de vuelta a la calma, de asimilar el siglo XX y estabilizarse. Tras experimentar con soluciones nuevas, las formas de expresión tradicionales (pintura, escultura, arquitectura, fotografía) vuelven a coger fuerza sin que ello desprecie el abanico de posibilidades que ofreció el pasado siglo.



FUENTE: (http://www.um.es/)

martes, 21 de junio de 2016

BUDAPEST


Ataúlfo Argenta



Ataúlfo Argenta Maza (Castro Urdiales, Cantabria, 19 de noviembre de 1913 - Los Molinos, Madrid, 21 de enero de 1958) fue un pianista y director de orquestaespañol.
Biografía


Su nombre completo era Ataúlfo Exuperio Martín de Argenta Maza, y fue el único hijo de Laura Maza y Juan Martín de Argenta, jefe de estación de Castro Urdiales.1(A su vez, uno de sus hijos, Fernando, fue presentador y divulgador de la música clásica en RNE en la segunda mitad del siglo XX).

Alumno precoz, recibió clases de solfeo, piano y violín en el Círculo Católico de su pueblo. En 19251 se fue a Madrid a estudiar música en el Real Conservatorio de Madrid como alumno de Manuel Fernández Alberdi. Allí destacó rápidamente como pianista. Más tarde se trasladó a Bélgica para estudiar con el maestro Armand Marsick en el prestigioso Conservatorio de Lieja, y posteriormente con Winfrend Wolf en Kassel y Berlín.

Fue profesor de piano por oposición en el Conservatorio de Kassel (Alemania). De regreso a España, le sorprendió la Guerra Civil Española durante una gira de conciertos y se trasladó a Segovia en un intento de acercarse a Madrid. Allí fue movilizado en el Batallón de Transmisiones de Segovia. Tras su desmovilización, se casó con una antigua compañera del Conservatorio, Juana Pallarés Guisasola. Se vio en la necesidad de tocar en teatros y en orquestas menores para ganarse la vida. Finalmente obtuvo una beca para estudiar en Alemania con el maestro Carl Schuricht. Siguiendo su consejo, y después de actuar como pianista con grandes éxitos en España y en el extranjero, se dedicó exclusivamente a la dirección.
Con la Orquesta Nacional de España

En 1947 fue nombrado director de la Orquesta Nacional de España, convirtiéndose primero en el segundo director de la institución y posteriormente en el profesor titular, sustituyendo al ilustre maestro Bartolomé Pérez Casas. En 1949 fundó la Orquesta de Cámara de Madrid. Además fue director invitado de la Orquesta Nacional de Francia. Fue un especialista en la música romántica alemana y en la música española, sintiendo predilección por el compositor Manuel de Falla. Por su distinguida carrera le concedieron la cruz de la Orden de Isabel la Católica y la gran cruz de la Orden de Alfonso X el Sabio, esta última a título póstumo. Además, fue nombrado miembro de la Academia de Bellas Artes en 1956.

Entre sus más reconocidas interpretaciones se encuentran la Rapsodie espagnole, de Maurice Ravel, y las Danzas españolas, de Moritz Moszkowski. Quienes trabajaron con él recuerdan su gran seriedad, maestría técnica y rigor.

Su excepcional capacidad como director le llevó a dirigir numerosas orquestas extranjeras y recibió numerosas ofertas para desarrollar su carrera en el extranjero. Poco antes de su muerte, según su hijo Fernando Argenta, estaba a punto de firmar un contrato con una orquesta estadounidense.1 Fue pionero también en las grabaciones en estéreo.

Pocos días antes de fallecer, Ataúlfo Argenta había conseguido uno de los mayores éxitos de su vida artística, dirigiendo en el Palacio de la Música Catalana de Barcelona primero, y luego en el Monumental Cinema de Madrid, el oratorio de Georg Friedrich Händel El Mesías.

Argenta murió en la localidad de Los Molinos, Madrid, en 1958, por inhalación de monóxido de carbono en su garaje, donde tenía el coche con el motor en marcha.

El 31 de enero, diez días después de su fallecimiento, la Orquesta se presentó por primera vez al público sin su director. Los músicos, en pie, interpretaron el coral de la Cantata 140, de Johann Sebastian Bach, escuchada por el público también en pie y en silencio. Fue enterrado en el Cementerio de La Almudena, en Madrid.



FUENTE: (https://es.wikipedia.org)

Felix Mendelssohn




Felix Mendelssohn (Hamburgo, 3 de febrero de 1809-Leipzig, 4 de noviembre de 1847), cuyo nombre completo era Jakob Ludwig Felix Mendelssohn Bartholdy, fue un compositor, director de orquesta y pianista de música romántica alemán.
Era nieto del filósofo Moses Mendelssohn y nació en el seno de una destacada familia judía que más tarde se convirtió al protestantismo, adoptando el apellido Mendelssohn-Bartholdy. En su infancia fue considerado un prodigio musical, pero sus padres no trataron de sacar partido de sus habilidades. De hecho, su padre declinó la oportunidad de que Felix siguiera una carrera musical hasta que quedó claro que tenía la firme intención de dedicarse seriamente a ella.1

Al temprano éxito en Alemania, le siguió un viaje a través de toda Europa; Mendelssohn fue recibido particularmente bien en Inglaterra como compositor, director ysolista, y sus diez visitas allí, durante las que estrenó la mayoría de sus obras, formaron una parte importante de su carrera adulta. Fundó el Conservatorio de Leipzig, un bastión de su lucha contra las perspectivas musicales radicales de algunos de sus contemporáneos.

Las obras de Mendelssohn incluyen sinfonías, conciertos, oratorios, oberturas, música para piano y música de cámara. También tuvo un importante papel en el resurgimiento del interés en la obra de Johann Sebastian Bach. Sus gustos musicales esencialmente conservadores lo separaron de muchos de sus contemporáneos más aventurados, como Franz Liszt, Richard Wagner o Hector Berlioz. Después de un largo periodo de denigración debido al cambio de los gustos musicales y elantisemitismo a finales del siglo XIX y comienzos del XX, su originalidad creativa tiene un buen reconocimiento,2 ha sido evaluada de nuevo y se ha convertido en uno de los compositores más populares del periodo romántico.



FUENTE: (https://es.wikipedia.org)

¿Por qué Reino Unido se plantea un referendo para salir de la Unión Europea?



El primer ministro, David Cameron, anunció que el referendo que decidirá si Reino Unido se va o se queda dentro de la Unión Europea (UE) se realizará el jueves, 23 de junio de 2016.


Cameron notificó la convocatoria después de negociar con los otros países miembros de la UE reformas específicas en beneficio de Gran Bretaña y que le permitirían abogar por una permanencia dentro del bloque.

"Nos estamos acercando a una de las mayores decisiones que nuestro país deberá tomar en nuestras vidas", declaró el primer ministro este sábado.
Los británicos votarán el 23 de junio si se quedan o se van de la Unión Europea

"La decisión va al meollo de lo que este país quiere ser y el futuro que esperamos para nuestros hijos", añadió.

BBC Mundo te explica cuáles son los elementos críticos de este proceso democrático.
¿Cuál será la pregunta del referendo?




Cómo se formula una pregunta en un referendo es crucial.
La propuesta inicial de los conservadores hecha en 2013 fue: "¿Cree que Reino Unido deberá continuar siendo miembro de la Unión Europea? Sí o no".

Algunos pensaron que la frase estaba muy inclinada hacia el estatus quo y laComisión Electoral, que debe aprobar la pregunta, consideró que no era lo suficientemente clara.

Así que propusieron lo siguiente: "¿Debería Reino Unido continuar siendo miembro de la Unión Europea o dejar la Unión Europea?"

El primer ministro y los miembros del parlamento aceptaron la fórmula.
¿Qué concesiones logró Cameron a afiliación de Reino Unido a la UE?

Tras dos días de intensas negociaciones, el primer ministro acordó con los otros miembros de la UE a un paquete de cambios.




Los acuerdos, que entrarán en vigencia si la decisión tras el referendo es de permanecer en la UE, incluyen:
Prestaciones por hijos – Los pagos a trabajadores migrantes en beneficio de sus hijos que viven por fuera de Reino Unido serán recalculados para reflejar el costo de vida en sus países de origen.
Pagos de bienestar social a migrantes – Reino Unido podrá limitar las prestaciones sociales a los migrantes de la UE durante los primeros cuatro años de residencia en el país. La medida se llama "freno de emergencia" y podrá ser aplicada si se dan niveles "excepcionales" de migración pero tendrá que sus penderse, sin excepción, después de siete años.
Eurozona – Gran Bretaña podrá conservar la libra esterlina y comerciar con ella en el bloque, sin temor a discriminación. Cualquier aporte británico para rescatar a naciones de la eurozona será reembolsado. Habrá salvaguardas para proteger a la industria financiera británica de la imposición de regulaciones de la eurozona.
Soberanía – Hay un compromiso explícito que Reino Unido "jamás" será parte de una "unión más estrecha" con otros miembros de la UE.
Limitaciones al libre movimiento – Reino Unido podrá restringir la entrada de ciudadanos de países por fuera de la UE que estén casados con ciudadanos de la UE como parte de las medidas para frenar los matrimonios "arreglados". También podrá excluir a las personas que sean consideradas un riesgo de seguridad, aun cuando no tengan antecedentes penales.
¿Qué le negó la UE a Cameron?

El primer ministro quería prohibir completamente el envío de prestaciones a los hijos de migrantes que viven fuera del territorio, pero eso fue rechazado por algunos países de Europa oriental, que insistieron en que los reclamantes continuaran recibiendo pagos completos.

La restricción del pago de prestaciones sociales para trabajadores migrantes estaba inicialmente propuesta para 13 años, pero Cameron tuvo que contentarse con siete años.
Reino Unido, el socio esquivo de la Unión Europea

Algunos críticos del acuerdo sostienen que Bruselas todavía ejercerá demasiado poder sobre las instituciones políticas y financieras de Reino Unido y que Cameronno cumplió con su palabra de recuperar ese control.
¿Quiénes quieren que Reino Unido deje a la Unión Europea?

Según las más recientes encuestas, el público británico está más o menos dividido por la mitad.

El Partido de la Independencia de Reino Unido, UKIP, que ganó las más recientes elecciones europeas y recibió casi 13% de los votos en las pasadas elecciones generales británicas, siempre ha abogado por salirse de la UE.

Pero la figura más prominente es rechazar la afiliación al bloque es el conservador alcalde de Londres, Boris Johnson.

Johnson declaró que su decisión de hacer campaña para salir de la UE le ha causado mucha angustia por su estrecha relación con el primer ministro.

Aun así, no quedó convencido con que las reformas logradas por Cameron le devolverían a Reino Unido la soberanía que dice que se ha perdido.




Un buen número de parlamentarios conservadores, incluyendo miembros del gabinete de Cameron, también quieren salir y tienen permiso de hacer campaña independiente para influir en el referendo.

Algunos parlamentarios del opositor Partido Laborista que abogan por dejar la UE.
7 preguntas para entender la Unión Europea y por qué en Reino Unido habrá un referéndum sobre su permanencia

También se han formado varios grupos que hace proselitismo por el retiro de la unión.

Los dos principales son: Vote Leave (Vota Salir), un movimiento liderado por el ex ministro de finanzas Nigel Lawson y es multipartidista.

El otro es Leave.EU, fundado por Arron Banks, un importante donante a UKIP, que está apoyado por otros empresarios y euroescépticos.



¿Por qué se quieren ir de Europa?
Crecimiento - Sostienen que Reino Unido está siendo frenado por la Unión Europea, con la imposición de muchas reglas a los negocios y el cobro de miles de millones al año en tarifas de membrecía a cambio de poco retorno.
Reducción de inmigración - También quieren que el país recupere el control absoluto de sus fronteras y reducir el número de migrantes que llegan a trabajar.
Imposición de visas - Se oponen a uno de los más importantes principios de la UE que es la llamada "libertad de movimiento", por lo que no se necesita una visa para vivir en otro país miembro.
Más independencia - También rechaza la idea de una "unión más estrecha" y cualquier intento de convertir el bloque en unos "Estados Unidos de Europa".





¿Quiénes abogan por quedarse en Europa?
El primer ministro Cameron ya expresó su intención de recomendar quedarse dentro de la UE, ahora que ha logrado sus acuerdos.

Declaró que hará campaña con su "corazón y alma" y es probable que participe endebates televisados al respecto.

El Partido Laborista, el Partido Nacional Escocés, los Liberales Demócratas y Plaid Cymru (Partido Nacional de Gales) también están a favor de la permanencia, aunque una minoría de sus miembros puedan manifestar lo contrario.

El laborista y ex ministro del Interior Alan Johnson estará liderando la campaña de su partido para permanecer dentro de la UE, sin embargo, dijo que no compartirá una plataforma con David Cameron.



¿Por qué quieren permanecer dentro de la UE?
Fortaleza - Creen que Reino Unido recibirá un gran impulso de su afiliación con la UE.
Economía - Sostienen que el comercio con otros países del bloque es más fácil y ese gran mercado beneficiará la economía británica.
Fuerza laboral - Arguyen que el flujo de inmigrantes, la mayoría de los cuales son jóvenes y dispuestos a trabajar, es un factor de crecimiento económico que ayuda a pagar por servicios públicos.
Prestigio - También están convencidos de que el estatus internacional de Reino Unido se verá negativamente afectado si abandona la UE.
Seguridad- Sostienen, además, que el país es más seguro formando parte del bloque.
Entonces, ¿le irá mejor a Reino Unido dentro a fuera de la UE?

Eso depende de cómo interpretes los diferentes argumentos y de lo que creas que es importante para una nación.

El abandonar la Unión Europea sería un paso monumental.
Como expresó Cameron, será la mayor decisión que tomará esta generación de británicos.
La historia europea de referendos fallidos

Pero, ¿liberaría al país como dicen los que se quieren ir, o lo condenaría a la ruina económica como advierten los que abogan por quedarse?

Quién se regodea en la victoria o se lamenta de la derrota se sabrá después del referendo del 23 de junio.

Habrá que esperar algún tiempo antes de conocer las verdaderas consecuencias de ese resultado.



FUENTE:(http://www.bbc.com/)


jueves, 16 de junio de 2016

NO CULPES A NADIE


                                                       NO CULPES A NADIE

UN PASEO POR MOSCÚ

                                                         
                                                          UN PASEO POR MOSCÚ

Simon Denis Rattle,



Simon Denis Rattle, CBE (19 de enero de 1955) es un director de orquesta inglés. Adquirió preeminencia como director de la Orquesta Sinfónica de la Ciudad de Birmingham, actualmente es el director principal de la Orquesta Filarmónica de Berlín (BPO).1 y desde 2017 será Director Musical de la Orquesta Sinfónica de Londres.2 Ha recibido la Orden del Imperio Británico.


Biografía
Rattle nació en Liverpool y estudió en el Liverpool College. Aprendió piano y violín, pero sus primeras participaciones y trabajos en la orquesta sinfónica fueron como percusionista. Ingresó a la Royal Academy of Music de Londres en 1971. Ahí dirigió asiduamente, y en 1974, el año de su graduación, ganó el Concurso de Dirección John Player. Después de organizar y dirigir una impresionante versión de la Sinfonía nº 2 deGustav Mahler mientras todavía estudiaba en la Academia, su talento llamó la atención del agente musical Martin Campell-White y desde entonces éste ha manejado su carrera.
Carrera en Gran Bretaña
En 1974, fue nombrado director asistente de la Orquesta Sinfónica de Bournemouth, y en 1977 director asistente de la Orquesta Filarmónica Real de Liverpool. Sin embargo, fue en su periodo con la Orquesta Sinfónica de la Ciudad de Birmingham (CBSO) entre 1980 y 1998, que llamó la atención de la crítica y el público. No sólo se hizo mucho más destacado en este tiempo, sino que convirtió a la orquesta en una de las más famosas de Gran Bretaña. En el tiempo que dejó aquel puesto, era uno de los directores más reconocidos y la CBSO una de las mejores orquestas del mundo.

La BBC comisionó al director de cine Jaine Green el seguir su itinerario durante su año final con la CBSO para hacer Simon Rattle - Moving On.

Rattle fue premiado con un CBE en 19873 y fue nombrado Knight Bachelor en 1994.4
Con la Orquesta Filarmónica de Berlín[editar]

En 1999, Rattle fue designado sucesor de Claudio Abbado como director principal de la Orquesta Filarmónica de Berlín (BPO), considerado ampliamente como uno de los puestos de dirección más prestigiosos del mundo. El nombramiento, decidido por votación de los miembros de la orquesta, fue algo controvertido, con varios de ellos de la normalmente conservadora orquesta prefiriendo a Daniel Barenboim para el puesto. Pese a todo, Rattle ganó el puesto y procedió a ganarse a sus detractores al rechazar firmar el contrato hasta que se asegurase que cada miembro de la orquesta recibiese un buen sueldo.

Antes de partir para Alemania y a su llegada, Rattle atacó controvertidamente la actitud británica hacia la cultura en general, y en particular a los artistas del movimiento Britart, junto con la baja subvención estatal para la cultura en Gran Bretaña. Fue entonces atacado por su pobre comprensión del arte conceptual y de las artes visuales y diseño.

Desde su nombramiento, Rattle ha reorganizado la Orquesta Filarmónica de Berlín en una fundación, comprendiendo sus actividades más bajo el control de sus integrantes que de los políticos. También asegurado un dramático aumento de los sueldos de los miembros de la orquesta, habiendo bajado en los últimos años. Dio su primer concierto como Director Principal de la BPO el 7 de septiembre de 2002, dirigiendo Asylade Thomas Adès y la Sinfonía nº 5 de Mahler, ejecuciones que recibieron brillantes reseñas de la prensa mundial y que fueron grabadas en CD y DVD por EMI.
Aporte
Rattle ha dirigido una gran variedad de estilos musicales, entre ellos algunos con instrumentos de la época (instrumentos contemporáneos de la época en que fueron compuestas), pero es más conocido por sus interpretaciones de compositores de inicios del siglo XX tales como Mahler, con una grabación de su Sinfonía nº 2 que obtuvo varios premios en su lanzamiento y ha sido considerada por algunos como su mejor grabación hasta la fecha. También ha apoyado mucho a la música contemporánea. Su meticuloso trabajo en algunas de las grandes obras del romanticismo ha forjado un estilo de bastante intensidad. Esto está ejemplificado en su nuevo ciclo de las sinfonías de Beethoven con la Orquesta Filarmónica de Viena – si bien la ejecución orquestal es notablemente vienesa, hay una notable cualidad de 'instrumentos del período' en el sonido, convirtiendo al ciclo en uno de los más refrescantes e incandescentes de los años recientes. Sus nuevas grabaciones con la orquesta de Berlín han sido, en su mayoría, muy favorablemente recibidas, notablementes las de los poemas sinfónicos de Antonín Dvořák y La Mer de Debussy. La Gramophone Magazine alabó la última como un 'magnífico disco' e hizo comparaciones favorables con las interpretaciones de la obra por los predecesores inmediatos de Rattle, Claudio Abbado y Herbert von Karajan. También ha trabajado con el famoso mundialmente Coro de Niños de Toronto. Recientemente, Rattle y la BPO han grabado The Planets, de Gustav Holst (EMI), que fue elegido el Orchestra Choice de la revista musical BBC.
Vida privada
Rattle se ha casado tres veces. Su primer matrimonio fue con Elise Ross, una soprano estadounidense, con la que tuvo dos hijos. Se divorciaron en 1995 después de 15 años de matrimonio. Su segunda esposa fue Candace Allen, una escritora nacida en Boston. Su tercera esposa es la mezzo-soprano checa Magdalena Kožená, con la que tiene dos hijos llamados Jonas y Milos.
Cinematografía
Aparece en el documental Rhythm Is It! (en español: ¡Esto es ritmo!) de Thomas Grube y Enrique Sánchez Lansch en el que se refleja la preparación de un concierto popular en la sala Treptow-Arena de Berlín, en el que la Filarmónica de Berlín dirigida por Rattle interpretó La consagración de la primavera mientras 250 niños y jóvenes no profesionales, procedentes de institutos de todo Berlín, bailaban una coreografía de Royston Maldoom.

En el año 2006, Rattle fue elegido para realizar la Banda Sonora de la película El Perfume del director alemán Tom Tykwer, adaptación de la novela de mismo nombre, del escritor alemán Patrick Süskind, junto con la Orquesta Filarmónica de Berlín, de la que Rattle es director actualmente.


FUENTE:(https://es.wikipedia.org)