"El Ojo extendido" va de la calma a la pesadilla, de lo onírico a lo lúdico

La muestra "El Ojo extendido. Huellas en el inconsciente" reúne en la Colección de Arte Fortabat más de 70 obras de 34 artistas, en un arco temporal que va de 1923 a 2004 y que, con curaduría de Mercedes Casanegra, recorre diversas miradas sobre el mundo que se abren hacia sentidos simbólicos, a través del surrealismo.La idea fue reunir obras que tuvieran "ingredientes del surrealismo y la pintura metafísica, aunque los artistas no necesariamente están enmarcados en esa corriente", explica Casanegra sobre el disparador de la exposición, que enlaza un conjunto deslumbrante de nombres como Roberto Aizenberg, Juan Batlle Planas, Antonio Berni, Fortunato Lacámera y tantos más.


El recorrido promete deslumbrar al espectador un entramado sublime de sueños, pesadillas, imágenes ligadas al inconsciente, lo lúdico, el misterio, lo onírico y el lenguaje de lo simbólico, de la mano de creadores de escuelas y estilos de los más disimiles.

El arco cronológico va desde "Los dos" de Xul Solar (1923), una pequeña acuarela sobre papel de pequeñas dimensiones hasta culminar con el "Universo inventario" (2004) del rosarino Leo Battistelli, una instalación cerámica vidriada que contienen hierbas psicoactivas, como una suerte de experimento de alquimia.

"Me interesaba el concepto de transformación, porque cuando se ahonda en el inconsciente de esa manera es cuando se puede hacer una transformación interior en varios sentidos, también espiritual, un término que en arte pareciera estar un poco vedado aunque ahora tiene una mayor aceptación", cuenta Casanegra en diálogo con Télam.

Un primer eje de la muestra permite aproximarse a pinturas como ese rectángulo cromático, sin título, de Roberto Aizenberg o "La siesta y su sueño" de Antonio Berni con la imagen de ese auto estacionado junto al mar, o la estática "Ciudad" en blanco y negro de Pompeyo Audivert, que hacen pensar en la quietud y la calma, como momentos detenidos en el tiempo.

Una mano que penetra en un cerebro, mientras gotean rojos hilos de sangre, de Charlie Squirru; la mirada insondable en los ojos verdes de la muchacha que protagoniza "La indiferencia de Blonda Bugs" en Mildred Burton, o la pintura de Fermín Eguía de una gallina con cara de hombre y pechos de mujer, pinchada por un tenedor, sobre un plato, son piezas que aluden a una zona más tormentosa".

"Hay una búsqueda que no siempre es feliz -asegura Casanegra-, el primer eje de la muestra es de cierta calma y este sector más pesadillesco, como de pulsión y obsesión. Cualquier búsqueda tiene sombras y tiene luces", reflexiona la curadora sobre un apartado que marca la diferencia con el resto de la sala, a través de sus paredes pintadas de un furioso rojo que dan fondo a las obras.

La zona final de la muestra "refleja un conjunto de obras mas abstractas: como si fuera un punto de llegada", y en donde reina la belleza a través de piezas como la de César Paternosto, los "Fragmentos de un viaje" de Liliana Porter o la impoluta pintura "Blanco" de Juan José Cambre.

Las fotografías de las serie de los sueños de Grete Stern, la imagen blanco y negro tomada por Marcos López de un hombre, "Flavio", con los ojos cerrados, con un "collar" de morcillas alrededor de su cuello, las esculturas de Aizenberg o los arboles dibujados en lápiz de Norberto Gómez completan un relato peculiar y deslumbrante.

Las obras fueron generosamente prestadas por el Museo Nacional de Bellas Artes, el Macba, el Malba, de la colección personal de Eduardo Costantini, galerías como Maman o Traba, de la familia de artistas como Battle Planas, herederos de Kenneth Kemble y de la Fundación Federico Klemm, entre otros, y demuestra un importante trabajo de búsqueda de la curadora.

La Colección de Arte Amalia Lacroze de Fortabat exhibe "El Ojo extendido. Huellas en el inconsciente" hasta el 28 de septiembre, en Olga Cossettini 141, Puerto Madero, de martes a domingos de 12 a 20.


FUENTE: ( http://www.telam.com.ar)

CULTURA Y ARTE EN BAHIA BLANCA: Un maestro de la interpretación

Improvisaciones sobre dos preludios (el 2 y el 4) del compositor ruso Alexander Scriabin (1872-1915), a quien Chick Corea define como una influencia permanente y de quien dice que "algunos de sus primeros preludios son tan melodiosos y bellos que para mí son como canciones de jazz" y las Bagatelle de la 1 a la 4, del húngaro Bela Bartok (1881-1945), adornan el comienzo del segundo CD de su Portraits.

Y son parte de lo más interesante del material, con una interpretación que no rehúye de la claridad de Scriabin ni del vanguardismo de Bartok y que al mismo tiempo se propone riesgos y es rica en hallazgos de climas y atmósferas.

El trabajo sobre estos dos autores clásicos, que Corea maneja con soltura, y las piezas que siguen a continuación son lo mejor del material y donde se hayan las perlas más relucientes de todo el trabajo.

Lúdico y melódico

El segundo disco continúa con la interpretación de 10 de sus 20 miniaturas musicales conocidas como Children`s song, que Corea grabó en 1983 en otro disco de solo piano y que define como "imágenes, poemas, impresiones" pianísticas.

Acá, Corea trabaja el piano en forma casi minimalista, lúdica, pero al mismo tiempo melódica, ofreciendo luminosos paisajes musicales en los que la simpleza nada parece restar a la profundidad.

El disco se cierra con una serie de improvisaciones que Corea realizó en conciertos a lo largo del mundo, la mayor parte en 2011, y que fueron creados a partir del rostro ("como retratos pictóricos") de voluntarios entre el público que se prestaron al juego propuesto por el músico.

Estas composiciones, que denotan mejor que ninguna otra el estado actual del piano de Corea, llevan los nombres de las ciudades en que fueron creados.

Así, hay dos de Cracovia, dos de Casablanca, cuatro de Easton, Maryland y dos de Vilna, Lituania, donde se puede leer casi un resumen o una síntesis de un depuradísimo y personal abordaje del piano de Chick Corea en una etapa de madurez y creatividad permanente.

Su actividad es tan grande en la actualidad que gira con cuatro proyectos distintos al mismo tiempo.

Con uno de ellos, The Vigil, llegará a Rosario y Buenos Aires a fines de agosto próximo. Todo un lujo.


FUENTE: ( http://www.lanueva.com)

CULTURA Y ARTE EN BAHIA BLANCA: Un circo pequeño, colorido y clásico con corazón gigante

El clima que se genera en el Microcirco es ideal para pasar una tarde de invierno en familia.


Franco Pignol / fpignol@lanueva.com

Los chicos están contentos y con más pilas que nunca, mientras que los padres están haciendo malabares para acomodar horarios y no dejar a sus hijos solos y aburridos durante la primera semana de las vacaciones de invierno.

Entre movimientos de contorsionista y como revoleando clavas sin que caigan al piso, muchos padres y madres se acercaron ayer por la tarde al Microcirco.

La primera función es a las 15 y la segunda a las 17, ahí en el acceso al Parque Independencia. Se repetirá todos los días hasta el próximo domingo 3 de agosto (inclusive), cuando todo vuelva a la normalidad.

Imaginemos a "mamá elefante" con su hijo "elefantito". Bueno, si comparáramos el tamaño, la carpa del Microcirco sería la hija de las grandes carpas.

¡Iupi!

Ahí estaba la carpa, a todo color, con el sol del atardecer de ayer que la acariciaba mientras se armaba una fila de unos 20 metros. Abundaban las camperas, los gorros de lana hasta las cejas y los cubanitos.

Y empezó la función. Liderada por el director Memo Galassi, también había músicos y artistas, acróbatas de trapecio, telas, magos, payasos y mucho más.

Música, juegos, magia y destrezas están hilvanadas en un espectáculo de humor para toda la familia.

Ya van 12 años de este emprendimiento que sirvió de lugar de expresión para muchísimos artistas bahienses, entre ellos podemos nombrar a Zacarías, Radagast y Pitu Blázquez, entre otros.

"Los artistas del circo están en constante movimiento. Vienen, se van y dejan todo cada vez que vuelven", explicó Memo Galassi.

--¿Qué conclusión sacás después de doce años?

--La gente descubrió que es un circo de la ciudad, un circo que no se va. Además entendieron el lenguaje. Por eso cada vez viene más gente. Y no sólo que viene, sino que también nos recomiendan. Estamos muy contentos.

"Somos 25 artistas: la troupe original y artistas excelentes invitados de Bahía. La ciudad se convirtió en una usina de artistas increíble".


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“No hay oráculo ni esfinge en este mundo porque eso equivaldría a pensar que estamos salvados”

En La débil mental, la escritora y guionista Ariana Harwicz pone a prueba la pasión por medio de la violencia del lenguaje, acaso para dejar en suspenso los efectos de una pulsión arrasadora, ausentándose de la trama y de otros arsenales retóricos que el mainstream global ha encontrado para intentar -sin éxito- normalizar el poder de la escritura.




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El libro, publicado por la editorial Mar Dulce, es una suerte de colección de estampas o de escenas desoladas o atroces que jamás pierde el lirismo de origen.

Harwicz nació en Buenos Aires en 1977; radicada en Francia, publicó Matate, amor (en Paradiso y Lengua de Trapo) y Tan intertextual que te desmayás (Contrabando).

Este es el diálogo que sostuvo con Télam.

T: La débil mental puede ser leído como un libro cruel, impiadoso, irónico, o como una historia de amor (no sé si existe algo más débil que el amor). Como sea, ¿por qué se te ocurrió ese personaje para decir lo que decís? ¿Podría decir otra clase de personaje decir lo que dice la débil mental?

H: Es una historia de amor. Cualquier adjetivo está de más. La débil mental puede que siga la tradición de los idiotas de la literatura, de la filosofía, demasiado imbécil por ser excepcional, mirada como la boba por ser superdotada. O el tópico de los encerrados que brillan desde la cárcel y provocan fascinación. Una fascinación religiosa. Este tipo de personajes dostoievskianos, o como los hermanos Claus y Lucas, iluminados en la más estricta oscuridad. Lo que me dice este personaje es que la pasión conduce a la hiperestesia.

T: Los protagonistas del libro no hablan. ¿Cómo relacionar esa estrategia retórica con la singularidad de cada uno de ellos, especialmente madre e hija?

H: Hablan mal, a destiempo, cortándose, cuestionándose, como cuando ella se pregunta al terminar él de hablar. ¿Qué dijo? ¿Por qué usa esa palabra y no otra? ¿Cómo saber cuál elegir? o la madre utiliza mal las frases hechas y ella la corrige, la corrige. Hablan como se tira una piedra, o se rompe de un tajo una boca, hablan como monos, como en sueños, como besándose, descreyendo del acto de hablar. Lo que pasa es que están en estado de aturdimiento, de turbación, es el mismo silogismo anterior; pasión, ergo.

T: En algún momento de la lectura, de fraseos exactos en situaciones límite, no se sabe quién es la madre, quién la hija. ¿Eso fue buscado? Lo pregunto porque en Matate amor también existe un efecto de rotación, no sé si de parentesco o de lugar.
H: Es verdad que existe ese efecto en ambas novelas. Como todo lo que puede deslizarse de la interpretación a posteriori del acto de escritura, me asombra por un lado y me parece natural, por otro. No calculé ese efecto mientras escribía, eso es sin duda lo extraño de escribir. Yo no estoy especulando con efectos literarios, el uso del lenguaje es producto únicamente de la naturaleza de los personajes. De sus pulsiones, en el sentido literal del término: una excitación interna que hay que suprimir o calmar. Una tensión, un brote. El hecho de que por momentos no se sepa quién es quién en el lenguaje tiene que ver con esa fusión que se da en el deseo. Entonces ellas juegan a ser una-la-otra, y yo no puedo sino reflejarlo en la escritura. Pero es culpa de ellas. El lenguaje es siempre un estado de guerra en el que hay que estar preparado.

T: Esta débil mental no es la representación de una autosuperación, de un oráculo que guardaría una verdad; no es la esfinge que esconde el sucio secretito, pero es brutal, y recuerda a cierto Osvaldo Lamborghini. ¿Qué pensás?

H: Me siento identificada cuando hablan de la escritura de Lamborghini desde una perspectiva más bien plástica. Cuando aluden a su violencia y a los recursos textuales, a su malditismo, en el sentido de encontrarse por fuera de ciertos estándares de los géneros. Eso espero de la literatura, eso espero de mi escritura. No concibo escribir sin subvertir, para qué, me parecería inútil. No hay oráculo ni esfinge en este mundo porque eso equivaldría a pensar que estamos salvados.

T: Finalmente, ¿es la deformación ideológica, mental, genética, etcétera, una cantera posible para hablar del mundo de hoy, su violencia, su malestar, sus cortocircuitos, su economía, sus impasses?

H: El deformado nace de un mundo atroz. El niño-anciano de la película rusa de Elem Klimov, Venga y Vea, cuenta mejor que nadie el delirio de la segunda guerra mundial. Klimov dijo pocos años antes de morir, He perdido el interés en hacer películas. Todo lo que era posible que yo hiciera, ya lo he hecho. Creo que hay que tratar de llegar a esa cima y después ya está.


FUENTE: ( http://www.telam.com.ar)

Murió Norberto Onofrio

El artísta plástico murió a los 86 años. Sus restos son velados hasta las 23 en el Museo Sivori y mañana serán trasladados al cementerio de la Chacharita a las 9,30. 

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Murió el incansable Maestro, que compartió innumerables inauguraciones, ofreció su amistad y trabajó con un espíritu juvenil hasta último momento.

La comunidad de artistas va extrañar su sonrisa, sus trabajos y esa personalidad chispeante del grabador que también incursionó en la escultura fabricando como una especie de juguetes, un poco siniestros, donde desplegaba su humor mordaz y una mirada aguda sobre la sociedad.

Se mantuvo muy activo con exposiciones periódicas de sus grabados, dibujos o esculturas.
El año pasado presentó "Los cerdos” en una galería de colegiales, 50 trabajos inéditos dotados de la fuerza que le confieren la síntesis y el contraste entre la línea poderosa y el vacío significante, atravesados de una fuerte crítica social.

Estos pequeños irónicos dibujos nos recuerdan las razones que llevaron a Onofrio a ser un indiscutido referente del arte nacional, que en 2012 expuso "Protectores y otras yerbas" en el Sivori, y  tuvo una muestra homenaje en la Universidad de Lanús.

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Norberto Onofrio nació en Buenos Aires el 2 de agosto de 1927. Autodidacta. Comienza su labor artística en 1951. Sus primeros grabados datan de esa fecha y continúan hasta 1979 ininterrumpidamente. En este momento diversifica su labor con Esculturas, Dibujos, Objetos, Ilustración de libros, Decoración y Herrería.

Participó en numerosas muestras colectivas en el país y en el exterior. Expuso en las principales galerías de Buenos Aires y en numerosos salones nacionales e internacionales, así como en museos de América, Europa, Asia y Oceanía.

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Miembro fundador del primer Museo de Grabado de la Argentina en Necochea, ilustra ediciones para Centro Editor Latinoamericano, EUDEBA, La Barca Gráfica, La Rosa Blindada, Libros de Tierra Firme y Último Reino.

Y se dedicó a la docencia en su taller y en la Escuela Superior de Bellas Artes Ernesto de la Cárcova.
Entre muchos reconocimientos obtuvo  el Primer Premio en la Bienal de Xilografía realizada en la exposición de la Casa de las Américas de La Habana, Cuba y el de la Academia Nacional de Bellas Artes, Premio Único en Grabado “Facio Hebecker”.

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A partir de 1976, participa en todos los salones y actos por la Defensa de los Derechos Humanos y en 2011 fue uno más de los 160 artistas que formaron parte de la muestra "El arte con Cristina" un acto estético y político, pensado para sumar apoyos a la reelección de la Presidenta en ese momento.

'Nos deja un enorme vacío, la partida, en el día de hoy, de uno de los referentes del grabado argentino de los últimos años. Norberto Onofrio ha sido un grabador que siempre estuvo cuando hizo falta, un militante, político y de la vida, un tipo sin medias tintas, que iba siempre al frente y de frente” Afirma Osvaldo Jalil.

“Solidario como pocos, tuve la suerte de ser su amigo, compartir muchas charlas, comidas, trabajos en conjunto, las veces que lo llamé para que hablara con la gente del taller siempre estuvo presente, sin pedir nunca nada, dando todo”

Y concluye el colega grabador: “Se nos va, se me va, a los 86 años y con un espíritu de 20, siempre renovando, siempre con cosas nuevas, siempre dando peleas, siempre inventando, con esa sonrisa cómplice, que voy a extrañar. Chau Norberto!”

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Mientras que Ernesto Pesce comunicó por las redes sociales el fallecimiento del “entrañable amigo y Maestro Norberto Onofrio“ y convoca a acompañarlo en el Museo Sivori hoy 17 de julio hasta las 23, mientras desde la Institución nos informan que abrirán sus puertas mañana a las 8, de donde partirán sus restos a las 9.30, para ser cremados en el cementerio de la Chacharita.

Nos queda el sabor amargo de la partida, y ahora ya, la frustrada entrevista que haríamos en su taller, con el equipo audiovisual de Télam, para compartir una vida de compromiso social y de labor artística.

Para no echarlo tanto de menos compartimos este video que se realizó para su muestra “Los protectores” en el museo del Rosedal.


FUENTE:  ( http://www.telam.com.ar)

El vampiro en el siglo XXI

La última película del estadounidense Jim Jarmusch, Only Lovers Left Alive, podría pensarse por la declinación de la figura del vampiro y de sus ahijados históricos, los intelectuales, pero también en el cambio en la representación del mal, ahora en mano de los zombies -los humanos- y del complejo tecnocientífico, como puede apreciarse en los diálogos de los dos supervivientes, Adán y Eva, testigos del mundo que no termina de morir y de otro que no termina de nacer.






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Tratándose del creador de Death Man, no podía esperarse un producto del cine de género: con Tilda Swinton en el papel de Eva y Tom Hiddleston en el de Adán, retornan los nombres de la literatura y de otras artes que han hecho del mal una reflexión filosófica de alto vuelo: Christopher Marlowe, Goethe, Orson Welles, William Burroughs, Franz Schubert, Lord Byron, Edgar Allan Poe, Marcel Proust, Michel Basquiat, Franz Kafka, Nicola Tesla y Janis Joplin, entre otros.

Y Mark Twain, por supuesto, cuya sátira, Adán y Eva, la película parodia y homenajea. Pero como corresponde a la época, la estética es de los 80 del siglo pasado -cuando Jarmusch era joven- y las contrariedades que padecen los vampiros, son las de este tiempo: dificultades para conseguir sangre, sangre contaminada, depresión (la que padece Adán).

Marlowe, aquel dramaturgo del 1500, creador de Fausto, vive, como Eva, en Tánger, meca ochentosa si las hay, y funge de intermediario, hasta que un dealer lo traicione, cosa que ocurre después que Eva viaje a Detroit -meca del heavy metal contemporáneo- donde Adán padece una depresión brutal (piensa en suicidarse), justamente por el daño irreparable que los zombies, a su juicio, están haciendo a la lírica, las artes, el patrimonio histórico y los alimentos.

La aparición de la hermana de Eva complica tanto las cosas que los amantes decidirán volver a Tánger, donde Marlowe agoniza por una ingesta de sangre contaminada. Los ambientes son tan oscuros como susurrantes las voces, tórrido el goce que produce la sangre buena y gracioso es ver a un monstruo deprimido leyendo a Nietzsche y escuchando a Jimi Hendrix.

Este breve comentario nace de la curiosidad: ¿por qué a Jarmusch se le ocurre filmar una película de vampiros en un momento donde los vampiros están perfectamente encuadrados en el sistema publicitario contemporáneo? ¿Para contar una historia de amor? Sin dudas, entre condenados eso es lo que nace.

Pero, se conjetura, el estadounidense habla de tres épocas (o más, pero en sordina), las de su actuación pública, y para atrás, la de la invención del ángel negro y la del mal, ese insustancial imposible de domesticar ni con los exorcismos, y del cual viven los vampiros, compulsivos como a la búsqueda de una droga a la que inevitablemente volverán una y otra vez. Pero ese es el tiempo que se terminó.

El tiempo del zombie no es el del satanismo sino el del consumo de lo mensurable, incluso de lo prohibido, de objetos cargados de positividad (atravesamos el grado cero de la negatividad) aunque los performers se coman a niños crudos, siempre lo harán en ámbitos institucionales. Salvando las distancias, pareciera más difícil tener una experiencia de lo real ahora que hace veinticinco años.

El romanticismo de esa afirmación no es de Jim Jarmusch, pero algo dice que no la ignoraría, mientras mira en su computadora cómo se bombardean los zombies en Medio Oriente y en Ucrania.


FUENTE: ( www.telam.com.ar)

Mar del Plata en imágenes

El próximo 2 de agosto, en el Museo de Arte Contemporáneo (MAR), de Mar del Plata, se estrenará un documental sobre la historia de esta ciudad, dirigido y guionado por tres extraterritoriales que se vinieron a vivir y que no entienden muy bien por qué los funcionarios y dirigentes locales se desinteresan por el patrimonio histórico del balneario.






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Se trata del músico y cineasta Martín Virgili, y sus cómplices David Bressan y Santiago Alvaro, realizadores, sumados a los miembros del colectivo local Mundo Dios, y aportes diversos, igualmente significativos.

Esta es la conversación que Virgili sostuvo con Télam.

T: Contame qué es el proyecto Fluctuat Nec Mergitur y quiénes participan.

V: Fluctuat Nec Mergitur es un documental sobre Mar del Plata, sobre esas zonas, esas oscuridades que nadie quiere contar. El proyecto lo encaramos junto a David Bressan y Santiago Alvaro, dos jóvenes realizadores con quienes armamos el equipo de trabajo para la investigación y la producción. Es un documental sobre una casa, bastante especial de hecho. Es una casa-vórtice y vértice, en la que confluyeron y confluyen muchas historias, silenciadas, de Mar del Plata, como la historia sobre la construcción del puerto, la creación del club Aldosivi, el surgimiento y la utilización de la piedra Mar del Plata, la historia de los pescadores y la marginación por parte de las elites locales, la historia del arte de vanguardia local, la historia del cabaret de Pepita la Pistolera… Lo maravilloso es que todas esas historias son atravesadas por esta casa. Si me preguntás por el nombre, surge de una leyenda que aparece en el escudo de París y que se puede leer en una de las chimeneas que hay dentro de la casa. Significa: se mueve pero no se hunde. La casa ha sido habitada por distintos artistas, de varias generaciones, que se han ido renovando, en un movimiento fluctuante que, por suerte, aún persiste.

T: ¿Es una película, un documental, una breve historia de Mar del Plata? ¿Cómo consiguieron el material? ¿Quién financió la búsqueda?

V: Sí, es un documental. Investigamos mucho acerca de la historia de la ciudad y pudimos entrevistar a artistas que vivieron hace treinta años en la casa y artistas que aún viven en ella. Nos inspiró también, el trabajo de los Mundo Dios, es decir, del colectivo que actualmente funciona en la Casa Francesa (así se llama) y a partir de ir a las muestras e involucrarnos con el lugar, nos empezó a llamar la atención la casa y su historia. Ya metidos en el trabajo, comenzamos a ver la cantidad de relaciones que se jugaban en ese edificio. Como dije, el tema del puerto, Aldosivi, Pepita… incluso, se comenta que esa casa del puerto es el punto, el epicentro catastral de todo el sur de Mar del Plata, es decir, del puerto hacia Punta Mogotes. El trabajo fue básicamente bancada por nosotros y amigos que se comprometieron con el proyecto, como Pet Triviño, un groso del steady-cam que nos ayudó mucho. También recibimos un apoyo del Fondo Nacional de las Artes y de la Universidad Tecnológica Nacional (UTN).

T: Se presenta en Mar del Plata. ¿En qué otros lugares?

V: Sí, el estreno está previsto para el sábado 2 de agosto a las 20:00 en el Museo MAR (de arte contemporáneo) de Mar del Plata. Luego, esperamos poder difundir el trabajo.

T: Hipótesis: ¿por qué no ha habido o no hay películas sobre las mil caras de Mar del Plata, teniendo un patrimonio tan rico, artistas talentosos, una tradición socialista, cierta extraterritorialidad del mainstream más berreta? Lo que yo creo es que las temporadas largas y la comodidad, que ya no existen, han puesto en tensión esa idea -falsa- entre balneario de elite/balneario de masas, y entonces, cargados con ese malestar, los creadores empiezan a volver al ruedo.

V: Es una pregunta muy interesante. Mirá, yo nací en Buenos Aires y van a hacer diez años desde que me vine a vivir acá. Como toda ciudad, existen sus secretos, sus tabúes, sus tesoros, sus lugares lindos y feos. En esta dinámica de irme encontrando con la ciudad, y sobre todo después de la experiencia de Fluctuat..., lo que descubro es que es una ciudad que le da la espalda a sus propios acontecimientos, a todo lo que de ella deviene como algo auténtico y propio. Quizás una razón sea el estigma de ser una ciudad para-el-turista, y que de ese modo sea alérgica a sus propias creaciones. Y esta alergia la podés ver claramente en la pésima conservación patrimonial de la ciudad; en lo poco que la ciudad se encarga de dar a conocer su propia historia (el archivo Mitre, es decir, el archivo documental de la ciudad, está en unas condiciones alarmantes); hace cinco años encontré en la Casa del Puente el piano que usó Alberto Williams (un compositor perteneciente a la primera generación de compositores argentinos), con las patas rotas, lacerado, todo pintado, etcétera. En fin, podría seguir. Lo resumiría en ese alejamiento de la ciudad de su propia historia; eso significa alejarse de sus propios aciertos y defectos. Hay algo aniñado en el comportamiento de las fuerzas sociales y culturales de la ciudad, algo del orden del no hacerse cargo. De todos modos, creo que este panorama puede ser rico para las próximas generaciones de marplatenses, que puedan con su trabajo recuperar esa historia: la historia de Mar del Plata.


FUENTE: ( http://www.telam.com.ar)