lunes, 5 de septiembre de 2016
Joyce DiDonato & Antonio Pappano: 'I Love A Piano', Wigmore Hall
La Mente del Director de Orquesta y las Neuronas Espejo
Cómo se produce la influencia del Director sobre la mente del músico y de la orquesta, más allá de unas simples indicaciones técnicas.
La verdadera comunicación entre director y orquesta se hace en un nivel mucho más allá de la simple visualización de unos movimientos con la batuta. Es en la transmisión de las emociones donde se encuentra “el Secreto" de la afectación personal y de la sugestión a la que el director somete a la orquesta. La transmisión de las emociones entre los seres humanos, incluso también entre animales se produce en un nivel metaconsciente. No hace falta ser director de orquesta para que una persona pueda contagiar a otra una emoción, un sentimiento, un estado anímico, etcétera; y para ello no es necesario marcar compases, ni dar entradas, ni nada parecido a lo que la técnica de dirección clásica nos propone.
El verdadero Director de Orquesta se encuentra en el Plano Emocional, mucho más allá de unas simples señales de conveniencia grafológica que dan “instrucciones” procedimentales al conjunto.
Sería necio pensar que un Director de Orquesta es mejor que otro porque marque los compases en una u otra dirección, o porque dibuje al aire señales más o menos “claras” o “entendibles”.
Si un músico de orquesta es capaz de descrifrar y ejecutar los miles o millones de signos, notas, efectos, etc. que están contenidos en una partitura, mucho más fácil le ha de resultar tocar “piano” cuando ve una letra “p” o “forte” cuando ve una letra “f” sin necesidad de que nadie le diga nada… En este orden de cosas, sería mucho más productivo que el Director le “soplara” al oído también el nombre de las notas, los arcos, las respiraciones, etc.
El músico de orquesta ha llegado a su edad adulta y no necesita de niñeras. Lo que sí precisa es de guías, coach o “Maestros de Vida” que tengan la habilidad de sacar lo mejor de sí mismos, darles confianza, seguridad, vitalidad, vida y emoción a cada una de las acciones musicales que estos realicen.
En este Plano, el Director de Orquesta debe encarnar precisamente esa figura de “Gurú” y de Maestro de Vida, pero esto ha de hacerlo en un plano mucho más profundo, directamente hacia el “Cerebro Límbico” del músico donde la principal moneda de cambio sean las emociones.
El Director utilizará toda su capacidad de comunicación verbal (durante los ensayos” y No Verbal (durante ensayos y conciertos) para provocar en el músico las reacciones emocionales oportunas en cada momento y situación.
Las células espejo de los músicos sabrán interpretar en este lenguaje directorial cuál es el mensaje de forma que cada músico de forma individual, pero también en unión con el resto de integrantes de la orquesta, envíen las instrucciones al cerebro, al corazón, a cada músculo, tendón y célula para que trascienda lo puramente mecánico y se eleve hacia el mundo emocional y espiritual del mundo No Visible.
Muchas de las reacciones de los músicos de la orquesta se producen de forma instintiva, de la misma forma que un tigre corre despavorido de un bosque en llamas. Determinados pasajes musicales requieren del músico este tipo de reacciones instintivas que provocarán un efecto musical rotundamente impresionante. Pretender obviar este componente animal en el ser humano es un gran error, y muchos de los grandes maestros han hecho uso de esta condición humana para transmitir determinadas reacciones musicales en el seno de la orquesta, lo que ha originado efectos definitivamente imponentes.
El cerebro humano tiene tres componentes fundamentales. Hablamos del cerebro pensante o córtex, que es la parte frontal; es la parte más grande, la parte más voluminosa de nuestro cerebro. Posee también el cerebro de los mamíferos, que es el cerebro límbico; y finalmente tiene el cerebro reptiliano que es propiamente el cerebro instintivo. El ser humano por lo tanto, tiene 3 vertientes: una vertiente pensante o intelectual, otra vertiente emocional, y otra vertiente totalmente instintiva. Las creaciones del ser humano están integradas a estos 3 elementos, que bajo mi punto de vista son inseparables. Y en cuanto la música es una creación del ser humano, toda música de cualquier época tiene en mayor o en menor proporción, estos tres elementos: el elemento intelectual, el elemento emocional y el elemento instintivo. Nosotros como directores tenemos que conocer -cuando estamos haciendo una obra- cuáles de sus elementos son intelectuales, cuáles son instintivos y cuáles son emocionales. Podemos decir por lo tanto, que el instinto es una parte del arte; es decir, no hay que hacer nada en especial para que el instinto se manifieste en lo artístico, porque el instinto es una parte sustancial del propio cerebro y del propio ser humano. Por lo tanto habrá mucha música escrita, muchas grandes obras maestras puramente instintivas las cuales vienen y van al propio instinto; mientras que otras van y vienen de la emoción y -en esta línea- algunas hasta son puramente intelectuales. Voy a poner un ejemplo de cada una de ellas.
Si analizamos por ejemplo el canon al rovescio del tercer movimiento de la Serenata número 12, K. 388 de Mozart, ese canon es algo totalmente intelectual. Ahí no hay emoción. De hecho cuando yo trabajo esta obra en la escuela, muchas veces tengo que decir “a partir de aquí cuenta-compases” porque es imposible –aparte de eso- encontrar ningún componente emocional, ni tampoco ningún componente instintivo; es todo intelecto, es simplemente un contrapunto. Este canon es como un gran jeroglífico, es algo netamente intelectual.
Hablemos ahora - por ejemplo - de la Sinfonía VI, “Patética” de Tchaikovski y de cuando él comentaba que en algunas de sus sinfonías -en determinados compases- había dejado una parte de su alma; hablemos de cuando uno escucha determinadas melodías plenamente inspiradas, compuestas de una forma emocional, plenas de rubato o de cuando oyes el adagietto de la Quinta Sinfonía de Mahler, donde el componente emocional es justamente el que aparece en primer término. Todas estas obras tienen momentos emocionales, y estos momentos son los que las hacen auténticas porque las emociones son parte del ser humano.
Pero hay momentos que son puramente instintivos, son reacciones automáticas. Por ejemplo ¿Cómo se calificaría el comienzo de la Quinta Sinfonía de Beethoven? ¿Sería intelectual? ¿Sería emocional? ¡Es instintivo! Porque es como una rabia; es como un desgarramiento; es algo que brota de una manera impetuosa y desbordante. Es el propio instinto de la vida lo que está ahí, ese instinto tan fundamental para el arte.
FUENE: (http://musicum.net/)
martes, 23 de agosto de 2016
Charles Baudelaire
Charles Pierre Baudelaire (pronunciación en inglés: /ˌ/ (
escuchar);1 Pronunciación en francés: /ʃaʁl bodlɛʁ/ ( escuchar) (9 de abril de 1821-31 de agosto de 1867) fue un poeta, ensayista, crítico de arte y traductor francés. Paul Verlaine lo incluyó entre los poetas malditos de Francia del siglo XIX, debido a su vida bohemia y de excesos, y a la visión del mal que impregna su obra. Barbey d'Aurevilly, periodista y escritor francés, dijo de él que fue el Dante de una época decadente. Fue el poeta de mayor impacto en el simbolismo francés. Las influencias más importantes sobre él fueron Théophile Gautier, Joseph de Maistre (de quien dijo que le había enseñado a pensar) y, en particular, Edgar Allan Poe, a quien tradujo extensamente. A menudo se le acredita de haber acuñado el término «modernidad» (modernité) para designar la experiencia fluctuante y efímera de la vida en la metrópolis urbana y la responsabilidad que tiene el arte de capturar esa experiencia.Juventud y bohemia[editar]
Jeanne Duval, amante de Baudelarie cuando este tenía 21 años. Es retratada por Édouard Manet.
En 1840 Baudelaire se inscribe en la Facultad de Derecho. Comienza a frecuentar a la juventud literaria del Barrio Latino y conoce a nuevas amistades, como Gustave Levavasseur y Ernest Prarond. También entabla amistad con Gérard de Nerval, con Sainte-Beuve, Théodore de Banville y Balzac. Intima igualmente con Louis Ménard, poeta y químico.
Comienza a llevar una vida despreocupada; los altercados con la familia son constantes debido a su adicción a las drogas y al ambiente bohemio. Frecuenta prostíbulos y mantiene relaciones con Sarah, una prostituta judía del Barrio Latino. Charles la denomina La Louchette (la bizca). Además de torcer la vista, era calva. Probablemente fue ella quien lo contagió de sífilis. Dentro de su obra capital, Las flores del mal, Baudelaire se refiere a Sarah en un poema, probablemente escrito en el momento en que dejó de verla asiduamente, reanudando sus relaciones con su otra amante, Jeanne Duval.
La conducta de Baudelaire, que rechaza entrar en la carrera diplomática, horroriza a su familia. Su padrastro, descontento con la vida libertina que lleva, trata de distanciarlo de los ambientes bohemios de París. En marzo de 1841 un consejo de familia lo envía a Burdeos para que embarque con destino a los Mares del Sur, a bordo de un paquebote. La travesía debía durar dieciocho meses y llevarlo hasta Calcuta, en compañía de comerciantes y oficiales del Ejército. En este periodo escribe uno de sus poemas más célebres "El Albatros". Pero llegando a la Isla Mauricio, Baudelaire decide interrumpir su viaje y regresar a su país.
De regreso a Francia, se instaló de nuevo en la capital, volviendo a sus antiguas costumbres desordenadas.
Baudelaire, fotografía de Nadar.
Empezó a frecuentar los círculos literarios y artísticos y escandalizó a todo París por sus relaciones con la joven Jeanne Duval, la hermosa mulata que le inspiraría algunas de sus más brillantes y controvertidas poesías. Destacó pronto como crítico de arte: El Salón de 1845, su primera obra, llamó ya la atención de sus contemporáneos, mientras que su nuevo Salón, publicado un año después, llevó a la fama a Delacroix (pintor, entonces todavía muy discutido) e impuso la moderna concepción estética de su autor.4
Buena muestra de su trabajo como crítico son sus Curiosidades estéticas, recopilación póstuma de sus apreciaciones acerca de los salones, al igual que El arte romántico (1868), obra que reunió todos sus trabajos de crítica literaria. Fue asimismo pionero en el campo de la crítica musical, donde destaca sobre todo la opinión favorable que le mereció la obra de Richard Wagner, que consideraba como la síntesis de un arte nuevo.5
En literatura, los autores Hoffmann y Edgar Allan Poe, del que realizó numerosas traducciones (todavía canónicas en francés), alcanzaban, también según el criterio de Baudelaire, esta síntesis vanguardista; la misma que persiguió él asimismo en La Fanfarlo (1847), su única novela, y en sus distintos esbozos de obras teatrales.
Últimos años[editar]
Retrato de Baudelaire, por Gustave Courbet.
Comprometido por su participación en la revolución de 1848, la publicación de Las flores del mal, en 1857, acabó de desatar la violenta polémica gestada en torno a su persona. Los poemas (las flores) fueron considerados «ofensas a la moral pública y las buenas costumbres» y su autor fue procesado.7 Ante tales acusaciones Baudelaire respondió:
Todos los imbéciles de la burguesía que pronuncian las palabras inmoralidad, moralidad en el arte y demás tonterías me recuerdan a Louise Villedieu, una puta de a cinco francos, que una vez me acompañó al Louvre donde ella nunca había estado y empezó a sonrojarse y a taparse la cara. Tirándome a cada momento de la manga, me preguntaba ante las estatuas y cuadros inmortales cómo podían exhibirse públicamente semejantes indecencias.
Sin embargo, ni la orden de suprimir seis de los poemas del volumen ni la multa de trescientos francos que le fue impuesta impidieron la reedición de la obra, en 1861. En esta nueva versión aparecieron, además, unos treinta y cinco textos inéditos. El mismo año de la publicación de Las flores del mal, e insistiendo en la misma materia, emprendió la creación de los Pequeños poemas en prosa, editados en versión íntegra en 1869 (en 1864, el diario Le Figaro había publicado algunos textos bajo el título de El spleen de París). En esta época también vieron la luz Los paraísos artificiales (1858-1860), en los cuales se percibe una notable influencia del inglés De Quincey; el estudio Richard Wagner et Tannhäuser à Paris, aparecido en la Revue européenne en 1861; y El pintor de la vida moderna, un artículo sobre Constantin Guys, publicado por Le Figaro en 1863.8
En 1864 viaja a Bélgica y residirá dos años en Bruselas. Allí intenta ganarse la vida dictando conferencias sobre arte, pero son un fracaso. En la primavera se encuentra con su editor. Sólo consigue dar tres conferencias sobre Delacroix, Gautier y Los paraísos artificiales, con escasa asistencia de público. Intenta una edición de su obra completa, pero fracasa; se venga de la falta de aceptación escribiendo un panfleto titulado ¡Pobre Bélgica! La sífilis que padecía le causó un primer conato de parálisis en (1865), y los síntomas de afasia y hemiplejía, que arrastraría hasta su muerte, aparecieron con violencia en marzo de 1866, cuando sufrió un ataque en la iglesia de Saint Loup de Namur. Trasladado urgentemente por su madre a una clínica de París, permaneció sin habla, pero lúcido, hasta su fallecimiento, en agosto del año siguiente. Fue enterrado en el Cementerio de Montparnasse, junto a la tumba de su padrastro. Su epistolario se publicó en 1872; los Journaux intimes (que incluyen Cohetes y Mi corazón al desnudo), en 1909; y la primera edición de sus obras completas, en 1939.9
Tras su muerte, Charles Baudelaire sería considerado el padre, o gran profeta, de la poesía moderna. Fue una figura bastante popular en los círculos artísticos de París. Manet incluyó su efigie en su famoso cuadro Música en las Tullerías, y en 1865 grabó dos retratos de él, uno de ellos basado en una fotografía de Nadar.
Tumba de Baudelaire en Montparnasse.
En noviembre de 1867, pocos meses después de la muerte de Baudelaire, se vende en pública subasta toda su propiedad literaria. Entre los documentos subastados se encuentran las listas de Poèmes à faire: apuntes y bocetos, asociados a El spleen de París. En este conjunto se hallan los títulos de un grupo de creaciones al que Baudelaire denominó Oneirocrities, el arte de explicar los sueños.
Las flores del mal[editar]
Artículo principal: Las flores del mal
Las flores del mal es una obra de concepción clásica en su estilo, y oscuramente romántica por su contenido, en la que los poemas se disponen de forma orgánica (aunque esto no es tan evidente en las ediciones realizadas tras la censura y el añadido de nuevos poemas). En ella, Baudelaire expone la teoría de las correspondencias y, sobre todo, la concepción del poeta moderno como un ser maldito, rechazado por la sociedad burguesa, a cuyos valores se opone. El poeta se entrega al vicio (singularmente la prostitución y ladroga), pero sólo consigue el tedio (spleen, como se decía en la época), al mismo tiempo que anhela la belleza y nuevos espacios ("El viaje"). Es la "conciencia del mal".
La publicación de Las flores del mal, en 1857, le valió una condena por inmoralidad, debido sobre todo a un insidioso artículo aparecido en Le Figaro. La sentencia lo obligó a excluir poemas de la obra, a lo que el autor argumentó que el libro debía ser "juzgado en su conjunto", tal como él lo había concebido: un poema total, que no seguía un orden cronológico sino un orden de finalidades. Con Las flores del mal, Baudelaire dio fin al ciclo del Romanticismo para abrir paso a la Modernidad, no sólo por la temática de su obra, sino por el replanteamiento estético que en ella se hace y que consiste en el descubrimiento de la belleza en lo "no bello".
Influencia[editar]
Homenaje a Delacroix, Baudelaire (el último sentado del lado derecho).
Su coetáneo Barbey d'Aurevilly, escritor y crítico literario, que fue uno de los primeros en defender la calidad de su obra, dijo de él que fue el Dante de una época decadente.
Baudelaire fue para algunos la crítica y síntesis del Romanticismo, para otros el precursor del Simbolismo, y tal vez haya sido ambas cosas al mismo tiempo. También es considerado el padre espiritual del Decadentismoque aspira a épater la bourgeoisie (escandalizar a la burguesía). Los críticos coinciden al señalar que formalmente abrió el camino de la poesía moderna. Su oscilación entre lo sublime y lo diabólico, lo elevado y lo grosero, el ideal y el aburrimiento angustioso (el spleen) se corresponde con un espíritu nuevo, y precursor, en la percepción de la vida urbana. Además, estableció para la poesía una estructura basada en las antedichas Correspondencias o trasvases perceptivos entre los distintos sentidos, idea ésta que desarrolla en el poema de ese título con el que se abre Las flores del mal. Las correspondencias equivalen a audaces imágenes sensoriales representativas de la caótica vida espiritual del hombre moderno.
El simbolismo de Rimbaud, Verlaine y Mallarmé, avanzando por el camino de una poesía autónoma, que se representará sólo a sí misma, es especialmente deudor de esta profunda concepción estética de Baudelaire. El trabajo de amplificación expresiva que realizó con lametáfora contribuyó en todo caso a sugerir el terreno ilimitado en el que podía expandirse el sistema de representación de la poesía. Todo lo cual fue de importancia decisiva para el desarrollo de la poesía en el siglo XX, junto con la experimentación de Arthur Rimbaud, el principal de los poetas "malditos", quizá el mejor heredero de Baudelaire. El propio Rimbaud fue uno de los primeros escritores en exaltar al poeta parisino, tan sólo cuatro años después de su muerte, coronaba a Baudelaire como "Rey de los Poetas, verdadero Dios."10 En el mundo de habla inglesa, Edmund Wilson considera a Baudelaire como el autor que imprime la mayor fuerza sobre el movimiento simbolista, a través de su traducción de Edgar Allan Poe.11
Por su parte, Rafael Reig considera en su Manual de Literatura para Caníbales que los escritores modernistas de lengua española, y muy especialmente Rubén Darío, adoptaron plenamente la visión del poeta que Baudelaire planteaba en su famoso poema titulado El albatros, lo que aprovecha para ironizar sobre algunos planteamientos de éste movimiento:
Baudelaire tenía razón: un albatros en tierra, con su andar tambaleante y arrastrando las alas, da verdadera risa. Todos los marineros lo sabemos. Llama la atención la diferencia entre la torpeza de sus andares y su majestuosa elegancia en el aire. La envergadura de sus alas es enorme, de más de cuatro metros: sólo con extenderlas a favor de viento pueden levantar el vuelo. Sin embargo, tienen serias dificultades para aterrizar y suelen golpearse las alas. Se alimentan de calamares y de los desperdicios de los barcos. El albatros errante (Diomedea exulans) puede devorar peces de más de medio metro de longitud.12
A comienzos de los años 20 varios autores de primer nivel como Marcel Proust, Walter Benjamin y T.S. Eliot retoman el interés por el francés mediante diversos análisis, estudios, ensayos y artículos. En 1930, Eliot elabora su teoría de que Baudelaire que aún no era suficientemente respetado y valorado, incluso en Francia, sostiene que el poeta era "un genio", y añade que su "virtuosismo técnico, que casi nunca se puede subestimar... ha hecho que sus versos sean una fuente inagotable para los poetas futuros estudios, no sólo los de su lengua."13 Eliot afirmaba que la poesía relevante escrita en Inglés durante los veinte años anteriores había sido influida por Baudelaire.
El mismo Eliot se identificaba como parte de la "progenie de Baudelaire". Siendo totalmente dado a la reutilización de versos y fragmentos de otros escritores se da la paradoja de que pocas veces empleó citas literales del poeta francés, aunque ciertamente sí lo utilizó en uno de sus más grandes poemas: La tierra baldía, donde cita hasta en tres ocasiones a Las flores del mal.
Baudelaire en el teatro[editar]
En el año 1983 el escritor argentino Edgar Brau presentó en Buenos Aires, como actor y director, un espectáculo denominado Malditos, cuya columna vertebral estaba constituida por veintiún poemas de Las flores del mal. Cada uno de esos poemas era presentado de acuerdo con el ambiente y la atmósfera que les eran propios, lo cual permitía, por ejemplo, que a la representación despojada de un poema como Recogimiento (Recueillement), le siguiera la fastuosidad visual (constituida por danzas orientales) de La serpiente que danza (Le serpent qui danse) o la intensidad trágica del trabajo coral requerido por el enfrentamiento fraterno que se da en Abel y Caín (Abel et Cain).
En 2013, el Teatro Libre de Bogotá presentó unos poemas, entre los que estaban El muerto alegre, El viaje y El reloj, dentro del espectáculo cabaré De las flores del mal y otras hierbas, en el que se representaron a modo de canciones una selección de poema de algunos poetas malditos: François Villon, Charles Baudelaire, Paul Verlaine, Arthur Rimbaud y Jean Genet. El director fue Ricardo Camacho, la selección y versión de los poemas de Patricia Jaramillo y la música de Víctor Hernández.
FUENTE. (https://es.wikipedia.org)
martes, 16 de agosto de 2016
Antal Zalai
Antal Zalai (húngaro: Zalai Antal, nacido el 31 de enero de 1981 en Budapestcomo Antal Szalai ) es un húngaro concierto del violinista .
Antal Zalai comenzó sus clásicos estudios de violín a la edad de cinco años. Se graduó en el Conservatorio Real de Bruselas en 2009, donde fue un estudiante de Kati Sebestyen . Antes de sus estudios en Bruselas , sus maestros fueron László Dénes, Péter Komlós y Jozef Kopelman en Budapest . Además, Zalai ha asistido a clases magistrales con Isaac Stern , Pinchas Zukerman , Erick Friedman , Tibor Varga , Lewis Kaplan y György Pauk .
A los 15 años ganó el reconocimiento internacional mediante la realización de la No.1 Bartók Concierto para violín en Lord Yehudi Menuhin 80 aniversario concierto de gala homenaje 's en el Gran Salón de la Academia Franz Liszt de Música en Budapest el 1 de octubre de 1996. En el desarrollo de su carrera, Zalai ha disfrutado de colaboraciones con conductores eminentes como Fabio Luisi , Paavo Järvi , Yoel Levi , Lawrence Foster , Gilbert Varga , Shlomo Mintz ,Ludovic Morlot , Laurent Petitgirard, Enrique Bátiz Campbell , Yip ala-sie , yGábor Takács-Nagy .
Hizo su Reino Unido debut en Liverpool en 2008, donde se realizó el concierto para violín de Glazunov con la Royal Liverpool Philharmonic y director Ludovic Morlot . Se realizó el mismo concierto para violín en su Berlín debut en 2008, como solista de la Orquesta Sinfónica Alemana de Berlín en el Berliner Philharmonie .
En abril de 2010 hizo su Zalai vienesa debut en la Sinfónica de Viena "Frühling in Wien 2010" concierto de gala 's dirección de Fabio Luisi en el WienerMusikverein . Ganó la oportunidad durante una FUcompetición en línea en la plataforma de Internet Talenthouse .
FUENTE: (https://en.wikipedia.org)
jueves, 11 de agosto de 2016
Itzhak Perlman
Itzhak Perlman (nacido en Tel Aviv, Mandato Británico de Palestina),1 el 31 de agosto de 1945. Violinista israelí-estadounidense. Es uno de los mejores y más famosos violinistas de la segunda mitad del siglo XX.
Comienzos
Contrajo poliomielitis a los cuatro años, viéndose más adelante en la necesidad de utilizar muletas para poder desplazarse, y por ello toca el violín sentado. Estudió en la Academia de Música de Tel Aviv, antes de mudarse a los Estados Unidos, donde se presentó a la audiencia norteamericana en el programa de Ed Sullivan en 1958. A los 13 años ingresó en la Juilliard School, en la que estudió con Ivan Galamian y Dorothy DeLay. Debutó en el Carnegie Hall como solista en 1963. En 1964 ganó la preciada Leventritt Competition, con lo que empezaría una prominente carrera.
Carrera Profesiona
Presentaciones alrededor del mundo
Pronto Perlman comenzó a hacer muchas giras, además de aparecer en orquestas prestigiosas, en festivales y recitales alrededor del mundo. En noviembre de 1987 trabajó con la Orquesta Filarmónica de Israel en una serie de conciertos en ciudades de Polonia (Varsovia) e Israel. Su primera visita a la Unión Soviética, en mayo y abril de 1990, registró una audiencia numerosa en Leningrado y en Moscú, realizando la presentación de un recital y una interpretación orquestal. En diciembre de 1994 viajó con la Orquesta Filarmónica de Israel a China e India.
En diciembre de 1990, Perlman visitó Rusia por segunda vez para participar en una presentación de gala en Leningrado, celebrando el 150 aniversario del nacimiento de Tchaikovsky. El concierto, en el cual participaron también Yo-Yo Ma, Jessye Norman y Yuri Termirkánov, este último al frente de la Filarmónica de Leningrado, fue televisado en Europa y publicado en el resto del mundo en video.
En diciembre de 1993, Perlman visitó la ciudad de Praga, en la República Checa, para interpretar una gala de Antonín Dvořák en compañía de Yo-Yo Ma, Frederica von Stade, Rudolf Firkusny y la Orquesta Sinfónica de Boston, conducida por Seiji Ozawa. Este concierto también se televisó y más tarde, en 1994, fue lanzado en disco compacto y VHS.
Ha realizado otras grabaciones, y desde los años 1970 comenzó a aparecer en programas norteamericanos como “The Tonight Show”, “Plaza/Barrio Sésamo” y el show de David Letterman, además de tocar en laCasa Blanca. Fue el violín solista de la película La lista de Schindler, donde interpretó música del compositor John Williams, lo que lo hizo acreedor a un Óscar por mejor música. Su última grabación para bandas sonoras fue la de la película Memorias de una Geisha, junto a Yo-Yo Ma y John Williams.
Además de tocar y grabar música clásica, Perlman también toca jazz y klezmer. Recientemente ha comenzado a dirigir, tomando el puesto de director invitado en la Orquesta Sinfónica de Detroit. Perlman ha sido laureado con varios honores, incluyendo los del Centro Kennedy en el 2003.
Su versión de los 24 Caprichos de Paganini es una de sus grabaciones más conocidas.
Perlman toca un violín Stradivarius de 1714, el cual fue propiedad de Yehudi Menuhin.
Aparte de su labor como intérprete, a veces, con su colega Pinchas Zukerman, Perlman tiene una importante carrera de enseñanza y da clases privadas y clases magistrales de violín y música de cámara alrededor del mundo. Actualmente ocupa la posición que antes tenía su maestra Dorothy DeLay (ya fallecida), en la escuela de música Juilliard.
Actualmente Itzhak Perlman reside en Nueva York con su esposa Toby, quien también es violinista profesional. Tienen cinco hijos: Noah, Navah, Leora, Rami (quien pertenece a la banda de rock Something for Rockets) y Ariella. En 1995 él y su esposa fundaron el Perlman Music Program en Shelter Island, Nueva York, con el que ofrece cursos de residencia de verano a músicos jóvenes que estudian música de cámara2
Grabaciones y colaboraciones
Regularmente, las grabaciones de Perlman aparecen en las listas de los charts de Best-Sellers, lo que le han valido ganar 15 premios Grammy. Además ha realizado grabaciones conjuntas con otros compositores e intérpretes famosos como John Williams, Daniel Barenboim, Jacqueline du Pré, y los directores Zubin Mehta, Seiji Ozawa y el Cuarteto de Cuerdas Juilliard (Juilliard String Quartet). Durante gran parte de su vida ha luchado contra la discriminación de personas con problemas de integración social y sus derechos.
El 20 de enero de 2009, Perlman participó en la inauguración presidencial de Barack Obama, interpretando junto a los músicos Yo Yo Ma, Gabriela Montero y Anthony McGill la obra Air and Simple Gifts, una composición del músico John Williams.
En diciembre de 1990, Perlman visitó Rusia por segunda vez para participar en una presentación de gala en Leningrado, celebrando el 150 aniversario del nacimiento de Tchaikovsky. El concierto, en el cual participaron también Yo-Yo Ma, Jessye Norman y Yuri Termirkánov, este último al frente de la Filarmónica de Leningrado, fue televisado en Europa y publicado en el resto del mundo en video.
En diciembre de 1993, Perlman visitó la ciudad de Praga, en la República Checa, para interpretar una gala de Antonín Dvořák en compañía de Yo-Yo Ma, Frederica von Stade, Rudolf Firkusny y la Orquesta Sinfónica de Boston, conducida por Seiji Ozawa. Este concierto también se televisó y más tarde, en 1994, fue lanzado en disco compacto y VHS.
Ha realizado otras grabaciones, y desde los años 1970 comenzó a aparecer en programas norteamericanos como “The Tonight Show”, “Plaza/Barrio Sésamo” y el show de David Letterman, además de tocar en laCasa Blanca. Fue el violín solista de la película La lista de Schindler, donde interpretó música del compositor John Williams, lo que lo hizo acreedor a un Óscar por mejor música. Su última grabación para bandas sonoras fue la de la película Memorias de una Geisha, junto a Yo-Yo Ma y John Williams.
Además de tocar y grabar música clásica, Perlman también toca jazz y klezmer. Recientemente ha comenzado a dirigir, tomando el puesto de director invitado en la Orquesta Sinfónica de Detroit. Perlman ha sido laureado con varios honores, incluyendo los del Centro Kennedy en el 2003.
Su versión de los 24 Caprichos de Paganini es una de sus grabaciones más conocidas.
Perlman toca un violín Stradivarius de 1714, el cual fue propiedad de Yehudi Menuhin.
Aparte de su labor como intérprete, a veces, con su colega Pinchas Zukerman, Perlman tiene una importante carrera de enseñanza y da clases privadas y clases magistrales de violín y música de cámara alrededor del mundo. Actualmente ocupa la posición que antes tenía su maestra Dorothy DeLay (ya fallecida), en la escuela de música Juilliard.
Actualmente Itzhak Perlman reside en Nueva York con su esposa Toby, quien también es violinista profesional. Tienen cinco hijos: Noah, Navah, Leora, Rami (quien pertenece a la banda de rock Something for Rockets) y Ariella. En 1995 él y su esposa fundaron el Perlman Music Program en Shelter Island, Nueva York, con el que ofrece cursos de residencia de verano a músicos jóvenes que estudian música de cámara2
Grabaciones y colaboraciones
Regularmente, las grabaciones de Perlman aparecen en las listas de los charts de Best-Sellers, lo que le han valido ganar 15 premios Grammy. Además ha realizado grabaciones conjuntas con otros compositores e intérpretes famosos como John Williams, Daniel Barenboim, Jacqueline du Pré, y los directores Zubin Mehta, Seiji Ozawa y el Cuarteto de Cuerdas Juilliard (Juilliard String Quartet). Durante gran parte de su vida ha luchado contra la discriminación de personas con problemas de integración social y sus derechos.
El 20 de enero de 2009, Perlman participó en la inauguración presidencial de Barack Obama, interpretando junto a los músicos Yo Yo Ma, Gabriela Montero y Anthony McGill la obra Air and Simple Gifts, una composición del músico John Williams.
FUENTE: (https://es.wikipedia.org)
Latidos de Vida: ENCUENTRO CON LA CREATIVIDAD: " PHILIP JOHNSON" Y ...
Latidos de Vida: ENCUENTRO CON LA CREATIVIDAD: " PHILIP JOHNSON" Y ...: Nació el 8 de julio de 1906 en Nueva York y falleció el 25 de enero de 2005, en Connecticut. Considerado como uno de los máximos exponen...
lunes, 1 de agosto de 2016
Paul Gauguin
Eugène Henri Paul Gauguin (París, 7 de junio de 1848-Atuona, Islas Marquesas, 8 de mayo de 1903) fue un pintor posimpresionista reconocido después de su fallecimiento. El uso experimental del color y su estilo sintetista, fueron elementos claves para su distinción respecto al impresionismo. Su trabajo fue gran influencia para los vanguardistas franceses y muchos otros artistas modernos como Pablo Picasso y Henri Matisse. El arte de Gauguin se volvió popular después de su muerte, parcialmente debido a los esfuerzos del comerciante de arte Ambroise Vollard, quien organizó exhibiciones de su obra casi al término de su carrera y póstumas en París.1 2 Muchas de sus obras se encontraban en la posesión del coleccionista ruso Sergei Shchukin3 así como en otras colecciones importantes.
Gauguin fue una figura importante del simbolismo, participando como pintor, escritor y escultor de grabados y cerámica. Su experimentación audaz con el color fue lo que colocó los cimientos para el estilo sintetista del arte moderno, mientras que su expresión del significado inherente de los temas en sus pinturas, bajo la influencia del cloisonismo, fue lo que pavimentó el camino al primitivismo y el regreso al estilo pastoral (captura de la naturaleza, paisajes). Su trabajo también fue una gran influencia para el uso de técnicas como el grabado en madera y la xilografía en la realización de obras de arte.4 5 Su obra ayudó a la evolución de la pintura, referente al expresionismo alemán y el fovismo (movimiento que se desarrolla entre 1898 y 1908).
Fue Jefe de filas de la Escuela de Pont-Aven e inspirador de los Nabis. Desarrolló la parte más distintiva de su producción en el Caribe (Martinica) y en Oceanía(Polinesia Francesa), volcándose mayormente en paisajes y desnudos muy audaces para la época por su rusticidad y colorido rotundo, opuestos a la pintura burguesa y esteticista predominante en su tiempo en la cultura occidental. Su obra está considerada entre las más importantes de los pintores franceses del siglo XIX, contribuyendo decisivamente al arte moderno del siglo XX.
Van Gogh habló acerca de sus pinturas de Martinica, diciendo:
Primeros años[editar]
Aline Marie Chazal Tristán, la mère de l'artiste (La madre del artista), 1889,Staatsgalerie Stuttgart.
Gauguin nació en París, Francia. Hijo del periodista antimonárquico Clovis Gauguin y de Alina María Chazal, hija de la socialista y feminista Flora Tristán, cuyo padre formaba parte de una familia influyente en Perú. En 1850 la familia6 dejó París y partió hacia Perú, motivados por el clima político del período (tras el coup d'État de Napoleón III). Clovis muere durante el viaje, dejando a un Paul de 18 meses de edad, su madre y su hermana para arreglárselas por cuenta propia. Vivieron en Lima durante cuatro años con el tío de Paul y su familia. Las imágenes de Perú terminarían siendo gran influencia en el arte de Gauguin. Fue en Lima donde Gauguin elaboró su primer arte. Su madre admiraba el arte precolombino, en especial la cerámica, ya que coleccionaba batería de cocina inca que algunos colonizadores consideraban como una barbarie. A raíz de su fascinación por las antiguas culturas peruanas, Gauguin llegaría a usar la imagen de una momia peruana en más de veinte obras suyas7 .
Las primeras memorias de Gauguin fueron de cómo su madre usaba vestimenta tradicional de Lima, un ojo que espiaba detrás de su manteau, el misterioso velo de un ojo que usaban todas las mujeres de Lima. [...] Él siempre sintió atracción por las mujeres con un estilo tradicional a la vista. Este debió haber sido el primero de muchos de los vestidos coloridos que invadirían su imaginación.8
A la edad de siete años, Gauguin y su familia regresaron a Francia, llegando a Orléans para vivir con su abuelo. La familia Gauguin era proveniente originalmente de esa área y eran jardineros, mercaderes, cultivadores y verduleros: Gauguin significa «cultivador de nueces». Su padre rompió con la tradición familiar al volverse periodista en París. Gauguin pronto aprendió francés, sin embargo su lengua principal y preferida continuaba siendo el español.
Educación y primer empleo[editar]
Después de atender a un par de escuelas locales, Gauguin fue enviado al prestigioso internado católico Petit Séminaire de La Chapelle-Saint-Mesmin.9 Pasó tres años en esa escuela. A la edad de catorce, ingresó al instituto Loriol en París, una escuela preparatoria naval, antes de regresar a Orléans para tomar su último año en Lyceé Jeanne D'Arc. Gauguin se registró como unasistente de piloto en la marina mercante. Tres años después, se une a la marina francesa en la que sirvió dos años.10 Su madre murió el 7 de julio de 1867, pero él no se enteró hasta pasados varios meses, cuando en su estancia en India recibe una carta de su hermana Marie.11 12
En 1871, Gauguin regresó a París donde consiguió un empleo como agente de bolsa. El novio rico de su madre, Gustave Arosa, le dio un empleo en la Bolsa de París; esto cuando Gauguin tenía 23 años. Se convirtió en un empresario parisino muy exitoso y así se mantuvo por los siguientes 11 años. En 1879 ganaba 30 000 francos al año (alrededor de 125 000 dólares estadounidenses en 2008) siendo agente de bolsa, y el doble cuando participaba en negocios en el mercado de arte.13 14 En 1882, la Bolsa de París se derrumbó y el mercado de arte se contrajo. Las ganancias de Gauguin se deterioraron severamente, llevándolo a dedicarse a la pintura por tiempo completo.15 16
Matrimonio[editar]
En 1873, se casó con la danesa Mette-Sophie Gad (1850-1920). Durante los siguientes diez años tuvieron cinco hijos: Émile (1874-1955), Aline (1877-1900), Clovis (1879-1900), Jean René (1881-1961) y Paul-Rollon (1883-1961). Para 1884, Gauguin se trasladó con su familia a Copenhague (Dinamarca), donde persiguió una carrera como vendedor de carpas. No fue un éxito: no sabía hablar danés, y los daneses no querían lonas francesas. Por lo que Mette se convirtió en la que sostenía la casa, dando lecciones de francés a aprendices diplomáticos.17
Su familia de clase media y su matrimonio se desmoronaron después de 11 años cuando Gauguin sintió el impulso de pintar por tiempo completo. Él regresó a París en 1885, después de que Mette-Sophie y su familia le pidieran que se fuera por haber renunciado a los valores anteriormente compartidos.18 19 20 El último contacto físico de Gauguin con ellos fue en 1891, Mette eventualmente formalizó la separación en 1894.21 22
Primeras pinturas[editar]
Suzanne cosiendo, 1880, Ny Carlsberg Glyptotek
En 1873, casi al mismo tiempo de sus inicios como corredor de bolsa, Gauguin comenzó a pintar en su tiempo libre. Su vida parisina se centraba en el IX distrito de París. Gauguin vivía en el 15 de la calle Bruyère.23 24 Alrededor del área se encontraban los cafés que frecuentaban los impresionistas. Gauguin solía visitar galerías y comprar trabajos de artistas emergentes. Formó una amistad con Pisarro25 y lo visitaba los domingos para pintar en su jardín. Pisarro lo presentó con otros artistas. En 1877 Gauguin "se mudó cerca del mercado y a través del río que llevaba a las pobres y recientes extensiones urbanas" de Vaugirard (XV distrito de París). Aquí en el tercer piso del 8 de la calle Carcel, tuvo su primer hogar con estudio.24 Su amigo cercano Émile Schuffenecker, con una historia similar a la de él (antiguo corredor de bolsa aspirando a convertirse en artista) y Gauguin vivían cerca. Gauguin mostró pinturas en las exhibiciones impresionistas llevadas a cabo en 1881 y 1882,(previamente la escultura de su hijo Émile, fue por un tiempo la única escultura dentro de la 4a Exhibición Impresionista de 1879). Sus pinturas recibieron reseñas despectivas; hoy en día obras como Los Huertos de Vaugirard, son altamente valoradas.26 27
En 1882, el mercado de valores se derrumbó y el mercado de arte se contrajo.15 16 Paul Durand-Ruel, el principal comerciante del arte impresionista, fue especialmente afectado por el derrumbe y dejó de comprar pinturas de artistas, como Gauguin. Las ganancias de Gauguin disminuyeron considerablemente y en el transcurso de los siguientes dos años, lentamente formuló sus planes para convertirse en un artista por tiempo completo.25 Los siguientes dos veranos pintó con Pisarro y ocasionalmente conPaul Cézanne. En octubre de 1883, él le escribe a Pisarro diciendo que había decidido ganarse la vida pintando "a como dé lugar" y pedía su ayuda para lograrlo, la cual, al principio, Pisarro otorgó con gusto. El enero siguiente, Gauguin se mudó con su familia a Rouen, donde él pensaba, debido a su estancia de verano con Pisarro, podía encontrar importantes oportunidades. Sin embargo, la aventura resultó ser infructuosa y para fin de año Mette regresó a Copenhague. Gauguin los siguió en noviembre de 1884, llevando consigo su colección de arte que permanecería en Copenhague.
Francia 1885-1886[editar]
Cuatro Bretonas, 1886, Neue Pinakothek, Munich
Gauguin regresó a París en junio de 1885, acompañado de su hijo de seis años Clovis. Los otros hijos se quedaron con Mette en Copenhague, donde tenían el apoyo de familia y amigos mientras que Mette encontraba trabajo como traductora y maestra de francés. Al principio Gauguin encontró difícil la reintegración al mundo del arte en París y se pasó el primer invierno de regreso sufriendo pobreza seria, obligado a tomar empleos poco importantes. Eventualmente Clovis se enfermó y fue enviado a un internado, la hermana de Gauguin, Marie, dio los recursos para lograrlo.30 31 Durante su primer año, produjo muy poco arte. Exhibió 19 pinturas y un relieve de madera en la octava (y última) exhibición impresionista en mayo de 1886.32 La mayoría de estas pinturas eran trabajo antiguo realizado en Rouen o Copenhague y, en general, no había nada novedoso, aunque su obra Baigneuses à Dieppe (Bañistas en Dieppe) introdujo lo que se convertiría en un tema recurrente, la mujer en las olas. Félix Bracquemond compró una de sus pinturas. La exhibición estableció a Georges Seurat como el líder del movimiento avant-garde en París. Gauguin despectivamente rechazó la técnicaneoimpresionista puntillista de Seurat. Más tarde ese mismo año, Gauguin se deslindó de Pisarro, quien a partir de ese momento se convertiría en un antagonista para Paul.33 34
Gauguin pasó el verano de 1886 en la colonia de artistas Pont-Aven en Bretaña. Le atrajo la idea porque era un lugar económico parar vivir. No obstante, se encontró con un éxito inesperado al convivir con los jóvenes estudiantes de arte que acudían en el verano. Su naturaleza y temperamento pugilísticos (era un boxeador y esgrimista talentoso) no fueron impedimentos para su vivencia en ese medio socialmente relajado a la orilla del mar. Él fue recordado durante ese período tanto por su extravagante apariencia como por su arte. Entre los nuevos socios se encontraba Charles Laval, quien acompañó a Gauguin el año siguiente a Panamá y Martinica.35 36
Ese verano, realizó unos dibujos pastel de figuras desnudas similares al método de Pisarro y de Degas, exhibidos en la octava exhibición impresionista en 1886. Principalmente pintaba paisajes como su obra La Bergère Bretonne ("La Pastora Bretona"), en la que la figura juega un rol subordinado. Su obra Jeunes Bretons au bain ("Jóvenes bretones bañándose"), introduciendo un tema al cual regresaba cada vez que visitaba Pont-Aven, está claramente endeudada con Degas referente a su diseño y audaz uso de color puro. Los dibujos inocentes del ilustrador inglés Randolph Caldecott, que solían ilustrar una guía popular en Bretaña, habían robado la imaginación de los estudiantes de arte avant-garde en Pont-Aven, ansiosos por liberarse de el conservatismo de sus academias, y Gauguin los imitaba conscientemente en sus bocetos de las mujeres bretonas.37 Esos bocetos después fueron convertidos en pinturas cuando estaba de regreso en su estudio en París. El más importante de estos fue la obra Cuatro Bretonas, que marca claramente la partida de su antiguo estilo impresionista así como la incorporación de algo cercano a la inocencia de la ilustración de Caldecott, exagerando los rasgos hasta el punto de rayar con la caricatura.38 36
Gauguin junto con Émile Bernard, Charles Laval, Émile Schuffenecker y muchos otros, regresaron a Pont-Aven después de sus viajes a Panamá y Martinica. El uso audaz de color puro y la elección simbolista de temáticas son lo que distingue a lo que se conoce hoy en día como la Escuela de Pont-Aven. Decepcionado con el Impresionismo, Gauguin sentía que la pintura tradicional europea se había vuelto muy repetitiva e imitativa y carecía de amplitud simbólica. En contraste, el arte de África y Asia le parecía llena de simbolismo místico y vigor. Existió una moda en Europa durante ese tiempo por apreciar el arte de otras culturas, específicamente la de Japón (Japonismo). Él fue invitado para participar en la exhibición dedicada a su obra organizada por Les XX en 1889.
Cloisonismo y sintetismo[editar]
Póster de la Exposición Volpini de 1889 por parte del grupo impresionistay sintetista, en el Café des Arts.
Bajo la influencia del arte folclórico y grabados japoneses, el trabajo de Gauguin evolucionó hacia el Cloisonismo, un estilo nombrado por el crítico Édouard Dujardin en respuesta al método de Émile Bernard para pintar con áreas planas de color y bordes resaltados, el cual le recordaba a Dujardin de la técnica medieval cloisonné de esmaltado. Gauguin apreciaba bastante el arte de Bernard y además su atrevimiento con el empleo de un estilo que le resultaba idóneo a Gauguin en su búsqueda de expresar la esencia de los objetos en su arte.39 En la obra El Cristo Amarillo (1889), comúnmente señalada como la obra Cloisonista por excelencia, la imagen fue reducida a áreas de color puro separados por bordes negros resaltados. En tales obras Gauguin prestó poca atención a la perspectiva clásica y audazmente eliminó las graduaciones de color sutiles, de ese modo prescindió de los dos principios más característicos de la pintura post-renacentista. Su pintura después evolucionó hacia el Sintetismo en el cual ni la forma ni el color predominan sino que cada uno tiene un papel equivalente.
El Cristo amarillo (Le Christ jaune), 1889,Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, NY.
Still Life with Profile of Laval (Naturaleza Muerta con Perfil de Laval),1886, Indianapolis Museum of Art.
Martinica[editar]
Paisaje de Martinica 1887, Scottish National Gallery
En 1887, después de visitar Panamá, Gauguin se pasó varios meses cerca de Saint Pierre en Martinica, acompañado de su amigo artista Charles Laval. Paul Gauguin se pasó aproximadamente los siguientes 6 meses en la isla de Martinica de junio a noviembre de 1887. Sus pensamientos y experiencias están recopilados en sus cartas a su esposa Mette y su amigo artista Emile Schuffenecker.40 Llegó a Martinica por la vía de Panamá en donde se encontró en quiebra y sin trabajo. En ese tiempo Francia tenía una política de derecho de retorno, que establecía que si un ciudadano se encontraba en quiebra o varado en una colonia francesa, el estado pagaría por un viaje en bote de regreso. Al dejar Panamá y al estar protegidos por ésta política, Gauguin y Laval decidieron bajarse del bote en el puerto St. Pierre de Martinica. Los académicos discuten si fue algo intencional o espontáneo el decidir quedarse en la isla. Al principio, la choza humilde en la que vivían les era suficiente y él disfrutaba ver a las personas en sus actividades rutinarias.41 No obstante, el clima en el verano era caluroso y la choza tenía goteras al llover. Gauguin también sufrió de disentería y malaria. En su estancia en Martinica, él produjo aproximadamente entre 10 y 20 obras (12 siendo el estimado más común), además viajó ampliamente y es posible que haya hecho contacto con una comunidad de inmigrantes hindúes; un contacto que llegaría a influenciar su arte a través de la incorporación de símbolos de India. Durante su estadía, el escritor Lafcadio Hearnt también estuvo en la isla.42 Sus relatos son usados como una comparación histórica para acompañar las imágenes de Gauguin.
Gauguin terminó 11 pinturas conocidas durante su estancia en Martinica, muchas de las cuales parecen haber sido desarrolladas en su choza, Sus cartas a Schuffenecker expresan emoción por la locación exótica y los nativos representados en su pinturas. Gauguin afirmó que cuatro de sus pinturas de la isla eran mejores que el resto.43 Las obras en sí, eran de colores brillantes, ligeramente pintadas y de figuras de escenas del exterior. Aunque su tiempo en la isla fue corto, es seguro que fue una gran influencia. Él recicló algunas de sus figuras y bocetos en pinturas siguientes, como el tema en La Cosecha de Mangos44 que es reproducido en sus fans. Las poblaciones rurales e indígenas permanecieron como un tema popular en las obras de Gauguin después de que se va de la isla.
Gauguin y Van Gogh[editar]
.jpg)
Vincent van Gogh, Paul Gauguin (Hombre con Boina Roja), 1888, Museo van Gogh, Amsterdam (F546)
.jpg){kind=link}
Las pinturas de Martinica de Gauguin fueron exhibidas en la galería de su comerciante de arte Arsène Poitier. Fueron vistas y admiradas por Vincent van Gogh y su propio comerciante de arte Theo van Gogh, cuya compañía Goupil & Cie hacía negocios con Poitier. Theo compró tres de las pinturas de Gauguin por 900 francos y arregló que los colgaran en las oficinas de Goupil, de tal forma presentando a Gauguin con clientes ricos. Al mismo tiempo Vincent y Gauguin se convirtieron en amigos cercanos (por parte de Van Gogh llegaba a ser casi adulación) y trabajaban juntos en el arte, una colaboración que fue esencial para que Gauguin pudiera formular su filosofía del arte.45 46 El arreglo con Goupil continuó aún después de la muerte de Theo en enero de 1891.
La relación de Gauguin con Vincent pasó a ser tensa. En 1888, por la instigación de Theo, Gauguin y Vincent se pasaron nueve semanas pintando juntos en la obra La Casa Amarillade Vincent en Arlés. Su relación se deterioró y eventualmente Gauguin decidió irse. En la noche del 23 de diciembre de 1888 de acuerdo con un relato futuro de Gauguin, Van Gogh confrontó a Gauguin con una cuchilla de afeitar. Más tarde esa noche, Van Gogh cortó toda o una parte de su oreja izquierda. Envolvió el tejido cortado en periódico y se lo entregó a una prostituta llamada Rachel, pidiéndole que "lo guardara con cuidado". Van Gogh fue hospitalizado el día siguiente y Gauguin se fue de Arlés.47 Nunca se volvieron a ver, pero se siguieron escribiendo y en 1890 Gauguin incluso llegó al extremo de pedirle que formaran juntos un estudio de arte en Antwerp.48 Un autorretrato escultural de 1889 llamado Tarro en Forma de Cabeza, parece hacer referencia a la traumática relación de Gauguin con Van Gogh.
Gauguin más tarde declaró haber sido una influencia de peso en el desarrollo de Van Gogh como pintor en Arlés. Aunque Van Gogh sí experimentó un poco con la teoría de Gauguin de pintar a partir de la imaginación, presentado en algunas pinturas como Memoria del Jardín en Etten, esto no le resultó cómodo ni idóneo por lo que regresó rápidamente a pintar a partir de la naturaleza.4
Gauguin y Degas[editar]
Jinetes en la Playa, 1902, Museum Folkwang
Valérie Roumi, 1880, caoba grabada y pintada , Ny Carlsberg Glyptotek
Aunque Gauguin logró sus primeros avances en el mundo del arte bajo el estilo de Pisarro, Edgar Degas fue su artista contemporáneo más admirado y fue una gran influencia en sus obras desde el principio, con sus figuras e interiores así como con sus grabaciones y el medallón pintado de Valérie Roumi.51 Él tenía gran respeto por el tacto y dignidad artísticas de Degas.52 Fue la amistad más longeva y saludable de Gauguin, durando toda su carrera artística hasta su muerte.
Además de ser uno de los primeros partidarios, incluyendo el comprar las obras de Gauguin y persuadir al comerciante Paul Durand-Ruel de hacer lo mismo, nunca hubo un apoyo público a Gauguin tan firme como el de Degas.53 Gauguin también compró obras de Degas en los primeros años de 1870 y su propia predilección en la grabación por el monotipo fue probablemente influencia de los avances de Degas en ese medio.54 Durand-Ruel le presentó una exhibición a Gauguin en noviembre de 1893, la cual organizó principalmente Degas, y recibió críticas variadas. Algunos de los que se burlaron fueron Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir y su antiguo amigo Pisarro. Sin embargo, Degas elogió su trabajo, comprando la obra Te faaturuma (La Melancolía) y admirando la suntuosidad exótica del folclor conjurado de Gauguin.55 56 57 Como agradecimiento, Gauguin le dio a Degas la obra La Luna y la Tierra, una de las pinturas exhibidas que atrajeron la crítica más hostil.58 La última versión de la obra Jinetes en la Playa (dos versiones) de Gauguin es un recuerdo de las imágenes de caballos de Degas, que comienza en los años de 1860, específicamente la obra Hipódromo y Antes de la Carrera, siendo un testimonio de su efecto duradero sobre Gauguin.59 Degas después compra dos pinturas de Gauguin en una subasta de 1895 para recabar fondos para su viaje final a Tahití. Fueron Mujer con Mango y la copia de Gauguin de la obra de Manet Olympia.58 60
Primera visita a Tahití[editar]
Para 1890, Gauguin ya había considerado hacer de Tahití su próximo destino artístico. Una subasta exitosa de pinturas en París en el Hôtel Drouot en febrero de 1891, junto con otros eventos como un banquete y un concierto de beneficencia, le dieron los fondos necesarios.61 La subasta fue ayudada por una crítica favorecedora de Octave Mirbeau, que fue convencido por Gauguin a través de Pisarro. Después de visitar a su familia en Copenhague, por la que sería la última vez, Gauguin emprendió el viaje a Tahití el 1 de abril de 1891, prometiendo regresar como un hombre rico y poder comenzar de nuevo.62 Su intención declarada era escapar la civilización europea y "todo lo que es artificial y convencional".63 64 Sin embargo, se encargó de llevar consigo una colección de estímulos visuales en forma de fotografías, dibujos y estampados.65
Se pasó los primeros tres meses en Papeete, la capital de la colonia ya muy europeizada. Su biógrafa Belind Thomson observa que debió haber estado decepcionado en su visión de un idilio primitivo. Él no fue capaz de pagar la vida de placeres que quería en Papeete y en un intento temprano de un retrato, Suzanne Bambridge, no fue muy querido.66 Decide poner su estudio en Mataiea, Papeari, a unos 45 km de Pepeete, instalándose en una choza de bambú al estilo de los nativos. Aquí realizó pinturas que describían la vida en Tahití como lo fue Cerca del mar y Ave Maria, ésta última se convertiría en su pintura de Tahití más valorada.22
Muchas de sus pinturas más hermosas datan de este período. Se cree que primer retrato de una modelo tahitiana fue Mujer con Flor. La pintura es notable debido a su cuidado con los delineados de característicaspolineasias. Él envió la pintura a su patrón Gerge-Daniel de Monfreid, un amigo de Schuffenecker quien se convertiría en el campeón devoto de Gauguin en Tahití, y que para finales del verano de 1892 ya se encontraba colgada en la galería de Goupil en París.67 La historiadora de arte Nancy Mowll Mathews cree que su encuentro con la sensualidad exótica de Tahití, tan evidente en sus pinturas, fue por mucho el aspecto más importante de su estancia.68
Gauguin fue dado copias de las obras de Jacques-Antoine Moerenhout's de 1837 llamada Voyage aux îles du Grand Océan, y de Edmond de Bovis en 1855 la obra llamada État de la société tahitienne à l'arrivée des Européens, las cuales contenían relatos detallados de la cultura y religión olvidadas en Tahití. Él se sintió fascinado por los relatos de la sociedad Arioi y de su dios 'Oro. Debido a que los relatos no contenían ilustraciones, con las modelos tahitianas posiblemente ya desaparecidas, él se permitió un ejercicio libre de su imaginación y ejecutó alrededor de 20 pinturas y una docena de grabados en madera en el transcurso del año siguiente. La primera de estas fue La Semilla de Areoi, representando la esposa terrenal de 'Oro llamada Vairaumati, ahora se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte, Nueva York. Su libreta ilustradaAncien Culte Mahorie está preservada en el Louvre y fue publicada como copia en 1951.69 70 71
En conjunto, Gauguin envió nueve de sus pinturas a Monfreid en París. Fueron eventualmente exhibidas en Copenhague en una exhibición conjunto con el fallecido Van Gogh. Reportes de que habían sido bien recibidas (aunque en realidad sólo dos de las pinturas tahitianas fueron vendidas y sus primeras pinturas fueron comparadas desfavorablemente con las de van Gogh) fueron suficiente para alentarlo a contemplar el regresar con otras setenta que había completado.72 73 Él ya se había agotado sus fondos de cualquier manera, por lo que dependía de una ayuda económica del estado para el pasaje gratis a casa. Asimismo había sufrido problemas de salud diagnosticados como problemas del corazón por el doctor local, quien sugiere pudo haber sido señales tempranas de sífilis cardiovascular.74
Gauguin escribió un diario de viaje (publicado en 1901) titulado Noa Noa, originalmente considerado como un comentario sobre sus pinturas y descripciones de sus experiencias en Tahití. Los críticos modernos sugieren que el contenido del libro fue en parte fantasía y plagio.75 76 En él, Gauguin reveló que en ese tiempo había tomado a una niña de trece años como esposa nativa o vahine (palabra tahitiana para mujer), un matrimonio consagrado en el transcurso de una tarde. Se llamaba Teha'amana, pero le decía Tehura en el diario de viaje y ella también resultó estar embarazada para el final del verano de 1892.77 78 79Teha'amana fue sujeto de varias de sus pinturas, incluyendo el retrato Merahi metua no Tehamana (Los ancestros de Tehamana) y el reconocido El Espítiru de los Muertos Vela, así como la famosa grabación en madera Tehura que ahora se encuentra en el Museo de Orsay.
Regreso a Francia[editar]
Gauguin, c. 1895, tocando un armonio en el estudio deAlphonse Mucha en la calle Grande-Chaumière, París (foto de Mucha)
,_partially_glazed_stoneware,_75_x_19_x_27_cm,_Mus%C3%A9e_d%27Orsay,_Paris.jpg)
Paul Gauguin, 1894, Oviri (Sauvage), piedra parcialmente vidriada, 75 x 19 x 27 cm, Museo de Orsay, París. "El tema de Oviri es la muerte, salvajismo, barbarie. Oviri se postra sobre una loba muerta, mientras maldice a la vida de su cachorro." Tal vez, como Gauguin le escribe a Odilon Redon, se trata de algo que es "no muerte en la vida sino de vida en la muerte".81 82
,_partially_glazed_stoneware,_75_x_19_x_27_cm,_Mus%C3%A9e_d%27Orsay,_Paris.jpg){kind=link}
En agosto de 1893, Gauguin regresó a Francia donde continuó la ejecución de pinturas con temas tahitianos como Día del Dios y Primavera sagrada, dulces sueños.83 84 Una exhibición en la galería Durand-Ruel en noviembre de 1894 fue un éxito moderado, al vender a precios elevados once de sus cuarenta pinturas exhibidas. Se consiguió un apartamento en el 6 de la calle Vercingétorix al borde del distrito Montparnasse que era frecuentado por artistas, y así comenzó a organizar salones literarios semanales. Se presentaba como una persona exótica, vistiendo prendas polinesias, además tenía un amorío público con una joven aún en sus años adolescentes, "mitad india, mitad malaya", conocida como "Annah la javanesa".85 86
A pesar del éxito moderado de su exhibición en noviembre, llegó a perder el patrocinio de Durand-Ruel debido a circunstancias que no son claras. Mathews lo caracteriza como una tragedia para la carrera de Gauguin. Entre otras cosas perdió la oportunidad de introducirse al mercado Americano.87 A inicios de 1894 se encontraba preparando cortes de madera usando una técnica experimental tomando temas de su diario de viaje Noa Noa. Regresó a Pont-Aven para el verano. El año siguiente intentó organizar una subasta de sus pinturas en París, similar a la de 1891, pero no fue un éxito. No obstante, el comerciante Ambroise Vollard, mostró sus pinturas en su galería en marzo de 1895, pero desafortunadamente no llegaron a un acuerdo en esas fechas.88
Envió una gran escultura de cerámica que llamó Oviri, la cual había llevado al salón de la Sociedad Nacional de Bellas Artes el invierno pasado en abril de 1895.89 Existen versiones conflictivas sobre cómo fue recibida: su biógrafa y colaborador en Noa Noa y el poeta simbolista Charles Morice, sostenían (1920) que su obra fue "literalmente expulsada de la exhibición", mientras que Vollard dijo (1937) que la obra fue admitida únicamente cuando Chaplet amenazó con retirar toda su obra también.90 En todo caso, Gauguin tomó la oportunidad para incrementar su exposición al público al escribir una carta, indignado con el estado actual de la cerámica moderna, a Le Soir.91
Para este entonces se había vuelto claro que él y su esposa Mette estaban definitivamente separados. Aunque hubo esperanzas de una reconciliación, discutían muy rápido acerca de aspectos económicos y ninguno visitaba al otro. Gauguin inicialmente se rehusó a compartir su legado de 13,000 francos que su tío Isidore le había heredado poco tiempo después de su regreso. Mette fue otorgada eventualmente 1,500 francos, pero indignada por esto se propuso comunicarse con él sólo a través de Schuffenecker, para que de tal forma pudiera informar hasta a sus amigos de su traición y fuera humillado
Residencia en Tahití[editar]
Fotografía de Jules Agostini 1896 de la casa de Gauguin en Punaauia. Resalta la escultura de una mujer desnuda.
Gauguin viajó de nuevo a Tahití el 28 de junio de 1895. Su regreso es caracterizado por Thomson como uno negativo, su desilusión con la escena de arte en París compuesto por dos ataques hacia él en el mismo número de la revista Mercure de France;93 94 una por Émile Bernard y otra por Camille Mauclair. Mathews recalca que su aislamiento en París se volvió tan amargo que no tenía otra opción más que reclamar su lugar en la sociedad en Tahití.95 96
Llegó en septiembre de 1895 y pasaría los siguientes seis años viviendo, al parecer, una vida cómoda como un artista colono cerca, o a veces dentro, de Papeete. Durante este tiempo fue capaz de sobrevivir por su cuenta con una racha creciente y estable de ventas, junto con el apoyo de amigos y simpatizantes, aunque hubo un período entre 1898 y 1899 cuando sintió la necesidad de conseguir trabajo de escritorio en Papeete, de lo cual no existen muchos registros. Construyó una choza en Punaauia en un área con afluencia diez millas al este de Papeete, establecida por familias ricas, en la cual instaló un gran estudio, sin escatimar en gastos. Jules Agostini, un conocido de Gauguin y un fotógrafo amateur exitoso, fotografió la casa en 1896.97 98 99 Una venta de tierras tiempo después lo obligó a construir una nueva en el mismo vecindario.100 101
Mantuvo posesión de un caballo y un carruaje, para poder viajar diariamente a Papeete para participar en la vida social de la colonia cuando lo deseara. Se suscribió alMercure de France (llegó a ser accionista), para entonces el principal diario francés de críticas, y mantuvo una correspondencia activa con sus colegas artistas, comerciantes, críticos y patrocinadores en París.102 Durante este año en Papeete y en adelante, él jugó un rol incremental en la política local, contribuyendo con el diario local que se oponía al gobierno colonial, Les Guêpes (Las Avispas), que se había formado recientemente, y que eventualmente editó su propia publicación mensual llamada La Sonrisa: Un Periódico Serio, después titulado Un Infame Periódico.103 Una cierta cantidad de material artístico y cortes de madera de su periódico sobrevivieron.104 En febrero de 1900 él se convirtió en el editor de Las Avispas, por el cual recibió salario y continuó como editor hasta su partida de Tahití en septiembre de 1901. El periódico bajo su dirección fue reconocido por sus ataques burdos al gobernador y a la burocracia en general, pero no era un líder simpatizante de las causas nativas, aunque así fue percibido de cualquier manera.105 106
Al menos durante el primer año no produjo pinturas, informando a Monfreid que se concentraría en la escultura. Muy pocos de sus grabados de madera de este período sobrevivieron, la mayoría fueron coleccionados por Monfreid. Thomson declara que El Cristo en la Cruz, un cilindro de madera de medio metro de alto, presentó una curiosa mezcla de temas religiosos. El cilindro pudo haber sido inspirado por grabados similares en Bretaña, como en Pleumeur-Bodou, donde obras han sido cristianizadas por artesanos locales.107 Cuando regresó a la pintura, fue para continuar con su larga serie de desnudos cargados con sexualidad en pinturas como Hijo de Dios o Nunca Más. Thomson observa una progresión en la complejidad.108 Mathews nota un regreso al simbolismo cristiano que lo hubiera hecho popular entre los colonialistas de la época, pero ahora ansioso por preservar lo que restaba de la cultura nativa al resaltar la universalidad de los principios religiosos. En estas pinturas, Gauguin se dirigía a una audiencia dentro de sus compañeros colonistas en Papeete, no a su anterior audiencia avant-garde en Paríss.109 110
Sufrió problemas de salud y fue hospitalizado varias veces por una variedad de padecimientos. Mientras estaba en Francia, se rompió el talón en una pelea entre borrachos en una visita a Concarneau.111 La lesión, una fractura abierta, nunca sanó debidamente. Ahora padecía de llagas que aparecían en sus piernas y restringían su movimiento . Las trató con arsénico. Gauguin culpó al clima tropical y describió las llagas como "eccemas", pero sus biógrafos concuerdan en que esto fue la progresión de la sífilis
En abril de 1897 recibió noticias de que su hija favorita Aline había muerto trágicamente de neumonía. Este fue también el mes en que se entera de que debía abandonar su casa porque la tierra había sido vendida. Pidió un préstamo al banco para construir una casa de madera más extravagante con bellas vistas al mar y las montañas. Pero se excedió y para el fin de año se enfrentaba con la posibilidad de que el banco lo expulsara.113 Con mala salud y endeudado, llegó al borde de la desesperación. Al fin de año completó su grandiosa obra ¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿Adónde vamos?, la cual fue reconocida como su obra maestra y su último testamento artístico (en una carta a Monfreid le explicó que intentó suicidarse al terminarla).114 115 116 La pintura fue exhibida en la galería de Vollard en noviembre del siguiente año, junto con otras ocho pinturas con temas similares que había completado en julio.117 Esta fue la primera exhibición mayor en París desde su demostración con Durand-Ruel en 1893 y fue un gran éxito, al recibir halagos para su nueva serenidad por parte de los críticos. Sin embargo, ¿De dónde venimos?, recibió críticas mixtas y Vollard tuvo problemas para venderla. Lo logró eventualmente en 1901 por 2,500 francos (alrededor de US$10,000 dólares del año 2000), a Gabriel Frizeau, por la que posiblemente Vollard recibió una comisión de 500 francos.
Mujer Tahitiana con Espíritu Malvado, 1899/1900, Städel
Georges Chaudet, el comerciante de Gauguin en París murió en el otoño de 1899. Vollard había estado comprando las pinturas de Gauguin a través de Chaudet y ahora hizo un acuerdo con Gauguin directamente.118 119 El acuerdo le daba a Gauguin un adelanto mensual de 300 francos a cambio de la compra garantizada de al menos 25 de sus pinturas nunca antes vistas al año por 200 francos cada una, y además Vollard se propuso proveerlo de materiales artísticos. Hubo algunos problemas al arranque para ambas partes, pero Gauguin al fin pudo lograr su sueño de toda la vida de vivir de nuevo en las Islas Marquesas en busca de una sociedad aún más primitiva. Se pasó sus últimos meses en Tahití viviendo con comodidad, siendo prueba la libertad con la que gastaba para entretener a sus amigos en ese tiempo.120 121 122
Gauguin no fue capaz de continuar su obra en cerámica en las islas por la simple razón de que la arcilla requerida no estaba disponible.123 Igualmente, sin acceso a una imprenta y un hectógrafo,124 tuvo que regresar al proceso de monotipo en su obra gráfica.125 Algunos ejemplos supervivientes de estos estampados son raros y caros a la venta.126
La esposa (vahine) de Gauguin durante este período fue Pahura (Pau'ura) a Tai, hija de unos vecinos en Punaauia y de 14 años de edad cuando la aceptó.127 Le dio dos hijos, de los cuales una hija murió en la infancia. El otro, un niño, lo crió sola. Sus descendientes aún habitan en Tahití al tiempo que la biografía de Mathews fue realizada. Paa'ura rehusó acompañar a Gauguin a las Marquesas y estar lejos de su familia en Punaauia (antes ya lo había abandonado cuando él se va a trabajar a Papeete, que está a sólo 10 millas).128 Cuando el autor inglés Willam Somerset Maugham la visitó en 1917, no le pudo otorgar memoria útil de Gauguin y hasta lo reprendió por no haber traído dinero de la familia francesa de Gauguin.
Muerte[editar]
Figura Oviri sobre la tumba de Gauguin en Atuona.
Gauguin pasó las semanas después de ser condenado por difamación del gendarme, preparando su apelación.187 En este período estaba muy débil y sufriendo gran dolor. Recurrió de nuevo a usar morfina. Murió repentinamente en la mañana del 8 de mayo de 1903. Previamente había convocado a su pastor Paul Vernier, pues había estado sufriendo desmayos. Conversaron juntos un tiempo y Vernier se fue, considerando que estaba en buenas condiciones. Sin embargo, el vecino de Gauguin, Tioka, lo encontró muerto a las 11 de la mañana, confirmando el hecho al practicar una tradición de las Marquesas en la que se muerde la cabeza de alguien para intentar revivirlo. Al lado de su cama estaba una botella de láudano, lo cual ha generado especulaciones de que fue víctima de una sobredosis.188 Vernier creía que murió de un ataque cardíaco.189
Maternité II (Maternidad II), 1899, Colección privada, Vendida en subasat de Papeete, 1903.
Gauguin fue sepultado en Cementerio Católico Clavary (Cimetière Calvaire), en Atuona , Hiva 'Oa, a las 2 p.m. el día siguiente. En 1973, una estatua de bronce de su obra Oviri fue colocada sobre su tumba, ya que lo indicó como un deseo.190 Irónicamente su vecino más cercano en el cementerio es el obispo Martin, con una gran cruz blanca sobre su tumba. Vernier escribió un recuento de los últimos días de Gauguin y de su entierro, reproducido en la edición O'Brien de las cartas de Gauguin hacia Monfreid.191
Noticias de la muerte de Gauguin no llegaron a Francia (a Monfreid) sino hasta el 23 de agosto de 1903. En ausencia de un testamento, sus posesiones menos valuables fueron subastadas en Atuona, mientras que sus cartas, manuscritos y pinturas fueron subastadas en Papeete el 5 de septiembre de 1903. Mathews señala que esta veloz dispersión de sus bienes llevó a la pérdida de mucha información valuable acerca de sus últimos años. Thomson señala que el inventario de la subasta de sus bienes (algunos fueron considerados pornografía) revelaron una vida que no fue tan empobrecida o primitiva como le hubiera gustado mantener.192 A su debido tiempo Mette Gauguin recibió las ganancias de la subasta, unos 4,000 francos.193 Una de las pinturas subastadas en Papeete fue Maternidad II, una versión más pequeña de Maternidad I que se encuentra en el Museo del Hermitage. La original fue pintada en el período en que su vahineera Pau'ura en Punaauia, cuando da a luz a su hijo Emile. No es sabida la razón por la que pintó la copia más pequeña. Fue vendida por 150 francos a un oficial naval francés, Comandante Cochin, quien dijo que el gobernador Petit había ofrecido hasta 135 francos por la pintura. Fue vendida en Sotheby por US $39,208,000 dólares en el 2004.194
El Centro Cultural Paul Gauguin en Atuona tiene una reconstrucción de Maison du Jouir. La casa original permaneció vacía por unos años, con la puerta aún llevando el dintel tallado por Gauguin. Esto fue eventualmente recuperado, cuatro de las cinco piezas son mostradas en el Museo de Orsay y la quintaen el Museo Paul Gauguin en Tahití.195
En el 2014, el examen forense de cuatro dientes encontrados en un jarrón de vidrio en un pozo cerca de la casa de Gauguin, llevaron a cuestionar la creencia habitual de que Gauguin sufrió sífilis. El examen de ADN estableció que los dientes eran muy seguramente de Gauguin, pero no hubo rastros de mercurio (que era usado para tratar la sífilis en ese entonces), sugiriendo entonces que Gauguin no padeció de sífilis o que no fue tratado por ella.196 197
Hijos[editar]
Gauguin vivió más que tres de sus hijos; su hija favorita Aline que murió de neumonía, su hijo Clovis que murió de una infección en la sangre después de una operación de cadera,198 y una hija que tuvo su nacimiento retratado en una pintura de Gauguin de 1896 llamada Te tamari no atua (El nacimiento de Cristo), y que era hija de la joven amante tahitiana de Gauguin, Pau'ura. Ella muere sólo unos días después de su nacimiento en la Navidad de 1896.199 Su hijo Émile Gauguin trabajó como un ingeniero civil en EUA y fue sepultado en el Cementerio Lemon Bay, en Florida. Otro hijo, Jean René, se convirtió en un escultor reconocido y firme socialista. Él murió el 21 de abril de 1961 en Copenhague. Pola (Paul Rollon) se convirtió en un artista y crítico de arte y escribió unas memorias, Mi Padre, Paul Gauguin (1937). Gauguin tuvo muchos otros hijos por parte de sus amantes: Germaine (n. 1891) con Juliette Huais (1866-1955); Émile Marae a Tau (n. 1899) con Pau'ura; y una hija (n. 1902) con Mari-Rose. Existe especulación de que la artista belga Germaine Chardon era hija de Gauguin. Emile Marae a Tai, analfabeta y criada en Tahití por Pau'ura, fue llevada a Chicago en 1963 por la periodista francesa Josette Giraud y fue una artista por derecho propio, sus descendientes aún viven en Tahití al 2001.198 200
Importancia histórica[editar]
El Primitivismo fue un movimiento artístico de pintura y escultura de fines del siglo 19, caracterizado por exageradas proporciones corporales, tótems animales, diseños geométricos y contrastes claros. El primer artista que utilizó sistemáticamente estos efectos y logró amplio éxito público fue Paul Gauguin.201 La élite cultural europea que descubría por primera vez el arte de África, Micronesia y los indígenas de América, se encontraban fascinados, intrigados y educados por el novedoso, salvaje y crudo poder plasmado en el arte de esos lugares tan lejanos. Como Pablo Picasso en los primeros días del siglo 20, Gauguin se sintió inspirado y motivado por el poder puro y la simplicidad del llamado arte primitivo de esas culturas extranjeras.202
Gauguin también es considerado como un pintor posimpresionista. Sus pinturas audaces, coloridas y enfocadas en el diseño influenciaron significativamente el Arte Moderno. Artistas y movimientos del principio del siglo 20 inspirados por él, incluyen a Vincent van Gogh, Henri Matisse, Pablo Picasso, Georges Braque, André Derain, el Fovismo, el Cubismo y el Orphism, entre otros. Después influenció a Arthur Frank Mathews y al Movimiento Americano Arts and Crafts.
John Rewald, reconocido como la autoridad principal del arte de finales del siglo 19, escribió una serie de libros acerca del período posimpresionista, incluyendo Posimpresionismo: De Van Gogh a Gauguin (1956) y un ensayo, Paul Gauguin: Cartas a Ambroise Vollard y André Fontainas (incluidas en la obra de Rewald Estudio del Posimpresionismo, 1986), en donde discute los años de Gauguin en Tahití y la lucha por su supervivencia, visto a través de la correspondencia con el comerciante de arte Vollard y otros.203
Influencia sobre Picasso[editar]
Paul Gauguin, 1893-95, Objet décoratif carré avec dieux tahitiens, terre cuite, rehauts peints, 34 cm,Musée d'Orsay, Paris
Las exhibiciones póstumas retrospectivas en el Salon d'Automne en París en 1903 y uno aún mayor en 1906 tuvieron una poderosa y sorpresiva influencia sobre el avant-garde francés y en particular las pinturas de Pablo Picasso. En el otoño de 1906, Picasso hizo pinturas de mujeres de gran tamaño desnudas, además de figuras monumentales y esculturales que recordaban la obra de Gauguin y mostraba su interés en el arte primitivo. Las pinturas de Picasso de figuras masivas en 1906 fueron directamente influenciadas por la escultura, pintura y escritura de Gauguin. El poder evocado por la obra de Gauguin llevó directamente a Les Demoiselles d'Avignon (Las señoritas de Avignon) en 1907.204
De acuerdo con David Sweetman, el biógrafo de Gauguin, Picasso se volvió fanático de la obra de Gauguin desde 1902 cuando conoció y se volvió amigo del escultor y ceramista español Paco Durrio (1875-1940), en París. Durrio tenía posesión de varias obras de Gauguin porque era amigo de Gauguin y un agente sin paga de su trabajo. Durrio intentó ayudar a su amigo en Tahití que era afectado por la pobreza, fomentando su obra en París. Después de conocerse, Durrio presentó a Picasso con el trabajo con piedra de Gauguin, le ayudó a Picaso a realizar piezas de cerámica y le dio a Picasso una primera edición de La Plume de Noa Noa: The Tahiti Journal of Paul Gauguin (Noa Noa: El diario de Tahití de Paul Gaugin).205 Además de ver la obra de Gauguin con Durrio, Picasso también la vio en la galería de Ambroise Vollard donde tanto él como Gauguin fueron representados.
Acerca del impacto de Gauguin sobre Picasso, John Richardson escribió,
La exhibición de 1906 de la obra de Gauguin dejó a Picasso como un esclavo de su arte más que nunca. Gauguin demostró que los tipos de arte más distintos--ni hablar de los elementos de la metafísica, etnología, simbolismo, la Biblia, mitos clásicos y muchas otras además--podían ser combinados en una síntesis que era de sus tiempos pero aun así eterna. Un artista podía también confundir nociones convencionales de la belleza, él demostró que es posible, al aprovechar sus demonios y llevarlos hacia los dioses oscuros (no necesariamente los de Tahití) y acariciar una nueva fuente de energía divina. Si en años futuros Picasso pagó su deuda con Gauguin, sin duda fue entre 1905 y 1907 cuando siente un parentesco cercano con este otro Paul, quien se enorgullecía de genes españoles heredados de su abuela peruana. Si Picasso no se hubiera firmado como "Paul" en honor a Gauguin.206
Tanto David Sweetman como John Richardson señalan que la escultura de Gauguin Oviri (significa salvaje), la figura fálica y espantosa de la diosa tahitiana de la vida y la muerte que era destinada para la tumba de Gauguin y que fue exhibida en la exhibición retrospectiva de 1906, fue áun más directamente lo que llevó a Les Demoiselles. Sweetman escribe, "la estatua de Gauguin Oviri, que ha sido mostrada en 1906, llegó a estimular el interés de Picasso en la escultura y la cerámica, mientras que los tallados de madera reforzaron su interés en los grabados, aunque fue el elemento de lo primitivo en todo aquello lo que más condicionó la dirección que el arte de Picasso tomaría. Este interés culminaría con la seminal Les Demoiselles d'Avignon."
De acuerdo a Richardson,
El interés de Picasso en el gres fue aún más estimulado por los ejemplos que vio en la retrospectiva de Gauguin en 1906 en el Salon d'Automne. La cerámica más traumante (una que Picasso pudo haber ya visto con Vollard) fue la espantosa Oviri. Hasta 1987 cuando el Museo de Orsay adquirió esta obra poco conocida (exhibida solo desde 1906) nunca fue reconocida como la obra maestra que es, sin decir el ser reconocida por su relevancia en la obras que llevaron a Demoiselles. Aunque mide menos de 30 pulgadas de altura, Oviri tiene gran presencia, como debe ser un monumento para la tumba de Gauguin. Picasso se vio golpeado por Oviri. 50 años después se sintió feliz cuando (Douglas) Cooper y yo le dijimos que habíamos encontrado esta escultura en una colección que también tenía el yeso original de su cabeza cubista. ¿Ha sido una revelación, como la escultura ibérica? Picasso se estremeció, positivamente. Siempre aborreció admitir el rol de Gauguin que lo llevó al primitivismo.208
Técnica y estilo[editar]
Ta Matete, 1892, Kunstmuseum Basel
La orientación artística inicial de Gauguin fue de Pisarro, pero la relación dejó marca más grande personalmente que estilísticamente. Los maestros de Gaugin fueronGiotto, Rafael, Ingres, Eugène Delacroix, Manet, Degas y Cézanne.209 210 211 Sus propias creencias, y en algunos casos la psicología detrás de su obra, también se vieron influenciados por el filósofo Arthur Schopenhauer y el poeta Stéphane Mallarmé.212
Gauguin, como otros de sus contemporáneos como Degas y Toulouse-Lautrec, emplearon una técnica para pintar en lienzo conocida como peinture à l'essence. Para esto, el óleo (aglutinante) es drenado de la pintura y el residuo de pigmento es mezclado con trementina. Pudo haber usado una técnica similar cuando preparaba sus monotipos, usandopapel en lugar de metal, ya que absorbería el aceite dando la apariencia mate a las pinturas que él deseaba.213 También lo probó algunos de sus dibujos existentes con la ayuda de vidrio, copiando una imagen inferior en la superficie del vidrio con acuarela o gouache para la impresión. Las xilografías de Gauguin no eran menos innovadoras, incluso para los artistas avant-garde responsables de revivir la xilografía en esa época. En lugar de grabar sus bloques con el intento de lograr una ilustración detallada, Gauguin inicialmente cinceló/talló sus bloques de una manera similar a la escultura de madera, seguido por el uso de herramientas más finas para crear detalle y tonalidad dentro de sus contornos audaces. Muchas de sus herramientas y técnicas fueron consideradas como experimentales. Esta metodología y uso de espacio corrían paralelos a su pintado de relieves planos y decorativos.
Parahi te maras, 1892, Colección Meyer de Schauensee
Comenzando en Martinica, Gauguin comenzó a usar la proximidad en colores análogos para lograr un efecto silenciado.215 Poco tiempo después de esto también logró avances en el color no representativo, creando lienzos que tenían una existencia independiente y vitalidad por sí solos.216 Esta brecha entre realidad de superficie y él mismo, disgustó a Pisarro y llevó rápidamente al fin de su relación.217 Sus figuras humanas en esta época eran también un recuerdo de su amorío con las impresiones japonesas, particularmente la inocencia de sus figuras y su austeridad compositivas, que llegaron a ser influencia sobre su manifiesto primitivo.218 Por esa misma razón, Gauguin también se vio inspirado por el arte folclórico. Buscaba una pureza emocional expuesta en sus temas, que estuviera transmitida de forma directa, enfatizando formas grandes y líneas verticales que claramente definieran forma y contorno.219 Gauguin también utilizó decoración formal compleja y colores en patrones abstractos, intentando proveer armonía entre hombre y naturaleza.220 Sus representaciones de los nativos en sus ambientes naturales son frecuentemente evidencia de la serenidad y sostenibilidad autónomas.221 Esto aludía a uno de los temas favoritos de Gauguin, el cual era la intrusión de lo sobrenatural a la vida diaria, en una instancia llegando al extremo de representar antiguos relieves egipcios de las tumbas con las obra Her Name is Vairaumati (Su Nombre es Vairamauti) y Ta Matete.222
En una entrevista con L'Écho de Paris publicada el 15 de marzo de 1895, Gauguin explica que el desarrollar su enfoque táctico es alcanzar la sinestesia (en arte).223 Él declara:Cada característica de mis pinturas es cuidadosamente considerada y calculada de antemano. Al igual que en la composición musical, por ejemplo. Mi objetivo, el cual tomo de la vida diaria o de la naturaleza, es meramente un pretexto, el cual me ayuda definiendo un arreglo de líneas y colores para crear sinfonías y armonías. No tienen ninguna contraparte en realidad, en el sentido vulgar de tal palabra; no dan una expresión directa de ninguna idea, sino que su único propósito es estimular la imaginación--como la música lo logra sin la ayuda de ideas o imágenes--simplemente con esa misteriosa afinidad que existe entre ciertos arreglos de colores y líneas en nuestras mentes.224
En una carta de 1888 a Schuffenecker, Gauguin explica el enorme alejamiento que tuvo del impresionismo, diciendo que ahora tenía la intención de capturar el alma de la naturaleza, las verdades antiguas y el carácter de sus escenarios y habitantes. Gauguin escribió:No copies la naturaleza literalmente. El arte es una abstracción. Deriva el arte a partir de la naturaleza mientras que tu sueñas en presencia de la naturaleza, y piensa más acerca del acto de creación que del resultado.225
Otros medios[editar]
Leda (Diseño para Plato Chino), 1889, zincografía en papel amarillo con acuarelas y gouache, Museo Metropolitano de Arte
Aha oe feii, 1894, monotipo con acuarela, con pluma y tintas roja y negra, Instituto de Arte de Chicago
Gauguin comenzó a hacer grabados en 1889, además de una serie de obras de zincografía encargadas por Theo van Gogh, conocidas como el Volpini Suite, que también aparecieron en la demostración del Café des Arts de 1889. Gauguin no dudó, incluso con su inexperiencia en las impresiones, en escoger número de opciones provocativas y heterodoxas, como la placa de zinc en lugar de la piedra caliza (litografía), márgenes amplios y largas hojas de papelógrafo amarillo.226 227 El resultado fue vívido al punto de ser muy llamativo y chillón, pero presagiaba sus experimentos más complicados con la impresión de color y el intento de elevar las imágenes monocromáticas. Sus primeras obras maestras de impresión fueron de Noa Noa Suite de 1893-94 donde esencialmente él reinventó el medio de grabado en madera, trayendo a ésta a la era moderna. Comenzó esta serie poco tiempo después de regresar de Tahití, ansioso por reclamar su posición de liderazgo dentro del avant-garde y por compartir imágenes basadas en su excursión a la Polinesia Francesa. Éstas impresiones en grabados de madera fueron mostradas en su exposición infructuosa de Paul Durand-Ruel en 1893, estando la mayoría relacionadas directamente con pinturas suyas en las que recordaba la composición original. Fueron mostradas de nuevo en una exposición menor en su estudio en 1894, donde cosechó elogios de las críticas por su pintura excepcional y efectos esculturales. La nueva preferencia de Gauguin por los grabados en madera no sólo fue una extensión natural de sus relieves de madera y escultura, pero pudo haber sido también provocado por su importancia histórica para los artesanos medievales y los japoneses.228
_-_Paul_Gauguin.jpg)
Cambio de Residencia, 1899, grabado en madera, colección privada
_-_Paul_Gauguin.jpg){kind=link}
Maruru (Ofrendas de Gratitud), 1894, hoja de grabado de madera, Galería de Arte de Univesidad de Yale.
Gauguin comenzó el monotipo con acuarelas en 1894, posiblemente se solapó con sus grabados en madera de Noa Noa, tal vez hasta sirviendo como una fuente de inspiración para ellos. Sus técnicas permanecieron innovadoras y fue un medio apto para él ya que no requería de equipo complejo, así como en el proceso de impresión. A pesar de ser frecuentemente un fuente de práctica para sus pinturas, esculturas o grabados asociados, su innovación en el monotipo ofrece una estética etérea; imágenes fantasmales que pueden expresar su deseo de transmitir las verdades inmemoriales de la naturaleza. Su siguiente proyecto importante fue un monotipo y grabado de madera que llegó hasta 1898-99, conocido como Vollard Suite. Completó su serie de iniciativa de 475 impresiones de unas veinte diferentes composiciones y las envió al comerciante Ambroise Vollard, a pesar de no comprometerse con su solicitud de un trabajo estable. Vollard no estaba satisfecho y no se esforzó por venderlas. La serie de Gauguin está claramente unida con la estética blanca y negra, además él pudo haber pretendido que las impresiones fueran similares al conjunto de cartas myriorama, en el sentido de que podían haber sido puestas en cualquier orden para crear múltiples paisajes panorámicos.229 Esta actividad de ordenar y reordenar era similar a su propio proceso de dar un nuevo propósito (readaptar) a sus imágenes y temas, así como una tendencia al simbolismo.230 Hacía las impresiones en papel japonés tan delgado como un pañuelo y las múltiples pruebas de gris y negro podían ser ordenadas una encima de la otra, con cada transparencia de color mostrándose para producir un efecto rico y claroscuro.231
En 1889 comenzó con su experimento radical: dibujos con transferencia de aceite/óleo. Al igual que su técnica de monotipo con acuarelas, era una mezcla entre dibujo y grabado. Las transferencias fueron la gran culminación de su cruzada por encontrar una estética de propuesta primordial, lo cual parece estar transmitido en sus resultados que reflejan antiguos tallados, frescos desgastados y pinturas de las cavernas. El avance técnico de Gauguin desde el monotipo hasta las transferencias de óleo es bastante notable, avanzando desde pequeños bocetos hasta unas hojas afanosamente grandes y de calidad. Con estas transferencias creó profundidad y textura al imprimir múltiples capas en la misma hoja, empezando con lápiz de grafito y tinta negra para delinear, antes de pasar al crayón azul para reforzar líneas y agregar sombreado. A menudo completaba la imagen con una lavada de tinta de olivo o café, a la que le había quitado aceite. La práctica consumió a Gauguin hasta su muerte, alimentando su imaginación y concepción de nuevas temáticas para sus pinturas. Esta colección también fue enviada a Vollard que nunca se sorprendió. Gauguin apreciaba las transferencias de óleo por la forma en la que transformaban la calidad de la línea dibujada. Su proceso, casi similar a la alquimia, tenía elementos de azar por los que marcas y texturas inesperadas surgían regularmente, algo que le fascinaba. En la metamorfosis de un dibujo a una pintura, Gauguin tomó la calculada decisión de renunciar a la legibilidad para poder ganar misterio y abstracción.232 233
Él trabajó en madera en el transcurso de su carrera, particularmente durante sus períodos más prolíficos, además es conocido por haber logrado resultados radicales en el grabado antes de hacerlo en la pintura. Incluso en sus primeras exhibiciones, Gauguin solía incluir esculturas de madera en sus muestras, por las cuales construyó su reputación como conocedor de lo llamado primitivo. Un número de sus primeras grabaciones parece haber sido influido por el arte gótico y egipcio.234 En su correspondencia, también señala una pasión por el arte de Camboya y el color magistral de las alfombras persas y tapetes orientales.235
Legado[editar]
Paul Gauguin, Nafea Faa Ipoipo (When Will You Marry?), 1892, sold for a record US $300m in 2015.
La moda por la obra de Gauguin comenzó poco después de su muerte. Muchas de sus pinturas más recientes fueron adquiridas por el colecto ruso Sergei Shchukin. Una parte importante de su colección está desplegada en el Museo Pushkin y en el Hermitage. Las pinturas de Gauguin son raramente vendidas, ya que sus precios alcanzas las decenas de millones de dólares. Su obra de 1892 ¿Cuándo te casas? se convirtió en la obra de arte más cara del mundo cuando su dueño, la familia de Rudolf Staechelin, la vendió en privado por US$300 millones en febrero de 2015. Se cree que la compraron los Museos de Catar.236
La vida de Gauguin inspiró la novela La luna y seis peniques de W. Somerset Maugham. Mario Vargas Llosa basó su novela El paraíso en la otra esquina (2003) en la vida de Gauguin, así como de su abuela Flora Tristán.
Gauguin es tema de al menos dos óperas: Federico Elizalde con Paul Gauguin (1943); y Gauguin (una vida sintética) por Michael Smetanin and Alison Croggon. Déodat de Séverac escribió su pieza; Elegy para piano en memoria de Gauguin.
La película biográfica llamada Oviri (1986) muestra su vida cuando regresa a París en 1893 después de su estancia de dos años en Tahití, además de su confrontación con su esposa, hijos y una amante. Termina con su regreso a Tahití dos años después.
El Museo Gauguin estilo japonés frente a los Jardines Botánico de Papeari en Papeari, Tahití, contiene exhibiciones de documentos, fotografías y bocetos originales, así como impresiones de Gauguin. En 2003 el Centro Cultural Paul Gauguin abrió sus puertas en Atuona en las Islas Marquesas.
En 2014 la pintura Fruits sur une table ou nature au petit chien (1889), con una valor estimado de €10m y €30m (£8.3m a £24.8m), la cual había sido robada en Londres en 1970, fue descubierta en Italia. La pintura, junto con una obra de Pierre Bonnard, fueron compradas por u empleado de Fiat en 1975, en una venta debido a pérdida de propiedad por una construcción de vía férrea, por 45,000 liras (alrededor de £32).
FUENTE: (https://es.wikipedia.org/wiki/Paul_Gauguin)
Suscribirse a:
Entradas (Atom)